Ang mga taon ay naging panahon ng malawakang pagtanggap para sa anime sa labas ng Japan. "Akira" at inilabas noong 1995 "Ghost in the Shell", na sa unang pagkakataon ay pinagsama ang tradisyonal na animation at computer graphics, ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo. Noong 1997, si Princess Mononoke, isang anime feature film, ay nakakuha ng US$160 milyon sa Japan.
Ang bilang ng parehong mga anime fan at manonood na nanonood nito paminsan-minsan ay tumaas nang maraming beses. Kasabay nito, ang mga teknolohiya para sa paglikha at pag-render ng anime ay patuloy na umunlad sa Japan: lumipat ang mga studio sa computer graphics, na aktibong gumagamit ng three-dimensional na animation. Mula sa mga cartoon ng mga bata noong unang bahagi ng ika-20 siglo, ang Japanese animation ay umunlad sa isang kultura na lumilikha ng magkakaibang, seryoso at nakakatawa, emosyonal at walang muwang, mga gawa na inilaan para sa mga tinedyer, bata at matatanda.
pinanggalingan
Ang mga gawa ng unang quarter ng ika-20 siglo ay pangunahing nilikha ng mga mahilig sa inspirasyon ng mga likha ng kanilang mga dayuhang kasamahan. Ang mga pelikula ay maikli - mula isa hanggang limang minuto - mga animated na strip na walang tunog. Minsan ang mga plot at karakter ng naturang anime ay hiniram mula sa kultura ng Kanluran, ngunit mas madalas ang mga ito ay mga adaptasyon ng mga lumang Japanese fairy tale. Sa pagtatapos ng panahong ito, ang tagal ng mga indibidwal na cartoon ay maaaring umabot ng 15 minuto.
Para sa iba't ibang mga kadahilanan, karamihan sa mga gawa ng mga taong ito ay nawala na ngayon. Nabatid, gayunpaman, na ang ilan sa kanila ay ipinakita sa publiko, at kahit na nakolekta ng pera sa mga sinehan. Ang panahon ng tahimik na pelikula ay nakita ang mga animator tulad nina Oten Shimokawa, Junichi Kochi, Seyotaro Kitayama, Sanae Yamamoto (na ang The Mountain Where They Threw Old Men ay marahil ang pinakalumang kilala na pinangalanang anime), Yasuji Murata, at shadow animation master na si Noboru Ofuji. Karamihan sa kanila ay nagtrabaho mula sa bahay, bagama't sila ay suportado ng mga may-ari ng mga sinehan, binibili mula sa kanila ang mga karapatang ipakita ang kanilang mga nilikha.
Ang ikalawang henerasyon ng mga Japanese animator ay lumitaw sa panahon ng pre-war. Sa oras na ito, ang alamat ng Hapon sa anime ay nagbigay-daan sa mga bago, kadalasang nakakatawa, na istilong Kanluranin na mga plot. Nakuha ng animation ang atensyon ng pangkalahatang publiko at interes ng estado. Sa mga taong ito, ipinasa ang mga unang batas na naglimita sa mga manonood ng mga gawa - ang ilang anime ay kinikilala bilang angkop para sa demonstrasyon lamang sa mga taong mahigit sa 15 taong gulang. Sa kabilang banda, ang mga pelikulang naglalaman ng mga elementong pang-edukasyon ay mahigpit na sinusuportahan at inaprubahan ng Japanese Ministry of Education. Daan-daang libong yen ang ginugol upang i-sponsor ang gayong mga gawa.
Sinasalamin din ng anime ang pangkalahatang sitwasyong pampulitika at panlipunan sa Japan. Isa sa mga unang nilamon ng sumusulong na militarismo ay ang 11 minutong cartoon ni Mituyo Seo na "Private Second Class Norakuro", na inilabas noong ika-taon, isang adaptasyon ng pelikula ng isang maikling pahayagan na comic strip tungkol sa isang malas na aso na nauwi sa pribado. sa hukbo ng mga hayop. Matapos ang pagsalakay ng Japan sa China noong 1900s, ipinasa ang mga unang batas sa censorship, na lubos na nagpasimple sa kontrol ng mga produktong gawa. Lumitaw ang isang malaking bilang ng mga propaganda anime na kinomisyon ng militar. Sa pagsiklab ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, nagsimula ring magbago ang istilo ng anime. Ang anime ay hindi dapat maging katulad ng mga Western cartoons. Noong ika-taon, nagpasya ang gobyerno ng Japan na gastusan ang paglikha ng unang Japanese full-length cartoon, at kinontrata ang parehong Mituyo Seo upang bumuo ng isang pangkat ng mga animator para sa layuning ito. Ang 74-minutong pelikulang Momotaro Holy Sea Warriors na kanilang iginuhit ay isang juvenile film tungkol sa isang pangkat ng malalakas na walang takot na hayop (marahil ay sumasagisag sa mga sundalong Hapones) na nagpapalaya sa Indonesia at Malaysia mula sa mga alien na may sungay ng demonyo, na posibleng ibig sabihin ay mga kaalyadong pwersa, na inilabas noong Abril ng taon.
Toei Animation at Mushi Production
Pagkatapos ng digmaan, bumagsak ang ekonomiya ng Japan. Sa kabila ng katotohanan na ang censorship at partisipasyon ng estado sa paglikha ng animation ay halos nabawasan sa zero, ang anumang kapansin-pansing mga gawa ay hindi lumitaw sa halos sampung taon. Ang isang makabuluhang balakid sa pagbuo ng animation ay ang katotohanan din na sa pagtaas ng tagal at pagiging kumplikado ng mga gawa, naging imposible na magtrabaho sa mga ito nang mag-isa o sa isang maliit na bilang ng mga katulong. Ang mga "homegrown" na studio ay hindi na makapagsilbi sa mga pangangailangan ng publiko, at ang mga malalaking kumpanya ay hindi lumitaw dahil sa peligro ng negosyo at ang mahirap na sitwasyon sa ekonomiya sa bansa.
Ang sitwasyon ay nagbago sa pagdating ng Toei Animation noong 1956, na sa lalong madaling panahon ay naglabas ng unang full-length na kulay na anime na pelikulang "Hakujaden" ("Hakujaden", ). Ang paglitaw ng Toei ay minarkahan ang simula ng isang bagong panahon sa pagbuo ng anime - isang panahon ng propesyonal na pagkamalikhain. Ang mga unang feature-length na pelikula ng studio ay sumunod nang malapit sa mga canon ng mga gawa ng Disney, gamit ang musikal at mga pagsingit ng kanta, pati na rin ang paggamit ng mga hayop sa pantay na batayan sa mga tao. Ang stylization na ito ay nagpatuloy sa bahagi sa mga gawa ng Toei Animation hanggang sa 1970s. Ang kumpanya ay umiiral pa rin ngayon, na nananatiling pinakalumang kilalang Japanese animation studio.
Ang patakaran ng Toei, mula sa simula nito, ay nagbigay-daan sa mga animator na malayang mag-eksperimento sa kanilang mga gawa. Ang isang magandang halimbawa nito ay ang pelikulang Hols: Prince of the Sun ni Isao Takahata (), isang eksperimental, sa ilang paraan kahit na mapanuksong pelikula. Ang "Hols" ay madalas na tinatawag na ninuno ng auteur o pang-eksperimentong anime, kung saan maraming sikat na direktor, maging sina Hayao Miyazaki at Mamoru Oshii, ay kasunod na naiugnay sa iba't ibang panahon ng pag-unlad. Sa oras ng paglitaw nito, ang pelikula ay hindi pangkaraniwan dahil isa ito sa mga unang lumayo sa mga canon ng Disney patungo sa sarili nitong mga inobasyon. Sa kabila ng ilang mga pag-edit at humigit-kumulang 30 minuto ng mga cut scene, ang Hols: Prince of the Sun ay inilabas ni Toei at katamtamang mahusay sa takilya.
Ang isang makabuluhang kontribusyon ng maagang Toei sa modernong anime ay ang paggamit ng "mga pangunahing eksena". Ang isang malawakang ginagamit na paraan ng pagbawas sa mga gastos sa animation ngayon ay ang pag-render ng indibidwal, visual na makabuluhang mga frame sa mas malaking detalye kaysa sa pangkalahatang stream ng video. Si Yasuo Otsuka, isang animator sa Toei, ang unang gumamit ng diskarteng ito, na ginagawa ito habang nag-eeksperimento sa paggawa ng animation na mas madaling gamitin.
1970s
Sa susunod na dekada, dahan-dahan ngunit tiyak na inilipat ng telebisyon ang mga sinehan bilang pinakasikat na libangan. Unti-unting tinalikuran ng Toei Animation ang paggawa ng mga musikal na istilo ng Disney, at lumipat sa paggawa ng mga serye sa telebisyon. Ang mga animator na nagtrabaho para sa Mushi Production ay nagtungo sa mga bagong likhang studio tulad ng Madhouse o Sunrise pagkatapos biglang mabangkarote si Mushi. Ang muling pamamahagi ng talento na ito ay karaniwang may positibong epekto sa industriya ng anime, dahil pinahintulutan nito ang mga batang animator na kumuha ng mahahalagang posisyon sa mga studio at pagkatapos ay malayang mag-eksperimento sa mga pelikulang ginagawa.
Isang halimbawa nito ay ang serye sa telebisyon ng taong "Heidi" ni Isao Takahata. Bilang isang medyo makatotohanang drama na idinisenyo para sa mga bata, ang serye ay unang tinanggihan ng maraming mga network sa telebisyon - ang mga producer ay naniniwala na ang mga bata ay magiging interesado sa isang bagay na mas kamangha-manghang, na may mga elemento ng isang fairy tale. Ang "Heidi", gayunpaman, ay naging hindi kapani-paniwalang tanyag hindi lamang sa Japan, kundi pati na rin sa kabila ng mga hangganan nito - sa maraming mga bansa sa Europa. Ang hindi inaasahang tagumpay ng serye ay nagbigay kina Miyazaki at Takahata ng pagkakataon na magtrabaho sa paglikha ng pampanitikang anime na World Masterpiece Theatre. Matagumpay na tumakbo ang serye hanggang sa kalagitnaan ng 1990s, bagaman iniwan nina Takahata at Miyazaki ang proyekto pagkalipas ng ilang taon.
Sa parehong mga taon, lumitaw ang isa pang genre na partikular sa anime, ang mecha. Kabilang sa mga unang gawa na iniuugnay sa kanya ang "Mazinger Z" (-), "Science Ninja Team Gatchaman" (-), "Space Battleship Yamato" (-) at "Mobile Suit Gundam" (-). Ang pag-usbong ng science fiction sa anime ay humantong sa pagbabago sa pokus ng mga serye mula sa mga superhero adventures patungo sa mas makatotohanan at detalyadong mga opera sa kalawakan, kung saan ang mga konsepto ng mabuti at masama ay hindi na gaanong kaakit-akit na prangka. Ang mga character ay binuo nang mas malalim, na nagpapahintulot sa amin na isaalang-alang ang parehong mga problema mula sa iba't ibang mga punto ng view.
Ginintuang edad ng anime
Ang pagtaas ng interes sa space sagas ay naging mas kapansin-pansin sa paglabas ng unang Star Wars film sa huling bahagi ng 1970s. Ang tagumpay at kasikatan ng tape na ito ay nag-udyok sa mga producer ng Hapon na tustusan ang isang tampok na pelikula batay sa naunang serye ng Space Battleship Yamato. Sa paglitaw nito sa mga screen, ang simula ng isang panahon ng super-popularization, ang tinatawag na "gintong edad ng anime" ay madalas na nauugnay - bagaman sa katunayan, sa halip na isang siglo, tumagal lamang ito ng wala pang labinlimang taon.
Sa oras na lumitaw ang Space Battleship Yamato sa mga screen, isa pang hindi kapani-paniwalang mahalagang kaganapan para sa kasunod na pag-unlad ng Japanese animation ay nagaganap na - ang pagsilang ng subculture ng otaku. Iilan lang sa una, ang mga tagahanga ng pambihirang serye ng kalawakan noong panahon at science fiction ay nagsama-sama, hinahanap ang isa't isa sa pamamagitan ng mga karaniwang libangan at sa pamamagitan ng mga naunang anime magazine gaya ng Animage o ang mas bagong Newtype. Ang mismong paglitaw ng naturang mga magasin ay isang tugon sa lumalagong katanyagan ng anime sa lahat ng bahagi ng populasyon.
Ang mga unang tagahanga ng anime ay lumitaw din sa ibang mga bansa. Ang ilang sikat na anime ay na-import sa US at ipinakita sa telebisyon. Ang isang karaniwang kasanayan sa oras na iyon ay ang muling paggawa ng serye bago ang palabas: halimbawa, ang "Gatchaman" pagkatapos ng unang pagproseso ay naging "Labanan ng mga Planeta" (), habang ang pangalawa ay ginawa itong "G-Force" (). Ang iconic na "Space Battleship Yamato" ay inilabas sa America bilang "Star Blazers". Ang pinakasikat na biktima ng kutsilyo ng direktor ay ang seryeng "Robotech" ("Robotek",), na nilikha mula sa tatlong magkakaibang anime - "The Super Dimension Fortress Macross", "Super Dimension Cavalry Southern Cross" at "Genesis Climber Mospeada". ang mga naitama at pinalaki na mga bersyon ng Japanese series, at ang unang henerasyon ng American otaku ay lumaki.
Isang mahalagang kaganapan din ang paglitaw sa adaptasyon ng pelikula ng manga Urusei Yatsura ni Rumiko Takahashi, sa direksyon ni Mamoru Oshii. Simula sa simpleng doujinshi, naging sikat at hindi kapani-paniwalang sikat si Takahashi sa mga tagahanga ng anime salamat kay Urusei Yatsura. Ang kanyang kasunod na mga gawa, lalo na ang Ranma 1/2, ay itinatag lamang siya bilang isa sa mga pangunahing tauhan sa mundo ng manga at Japanese animation. Tulad ng para kay Oshii, sa loob ng ilang panahon ngayon siya ay lumayo mula sa paglikha ng mahabang sikat na serye, at ginustong lumikha sa isang personal na istilo, hindi binibigyang pansin ang mga opinyon ng mga tagahanga. Pinahintulutan siya nitong lumikha ng medyo orihinal na mga eksperimentong gawa sa hinaharap.
Sa paglipas ng panahon, ang subculture ng otaku ay nagsimulang magkaroon ng kapansin-pansing impluwensya sa paglikha ng anime. Ang ilan sa mga unang otaku ay naging mga direktor at animator mismo, na hindi makakaapekto sa mga produktong ginawa nila. Ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa ng gayong impluwensya ay ang Daicon Films, na kalaunan ay naging sikat na Gainax studio. Sinimulan ng mga tagapagtatag ng Gainax ang kanilang malikhaing karera sa pamamagitan ng paggawa ng mga maiikling pelikulang anime para sa kompetisyon ng Daicon Scifi. Ang labis na katanyagan ng mga shorts na ito ay nagbigay sa bagong likhang studio ng pagkakataon na makalikom ng pondo para sa paglikha ng pinakamahal na pelikulang anime noong mga taong iyon, Wings of Honneamise ().
Sa parehong mga taon, ang isa sa pinakasikat, klasikong anime na pelikula ay kinunan - Nausicaa mula sa Valley of the Winds (). Sa pagtatapos ng tagumpay nito at ang pagtaas ng katanyagan ng anime, maraming iba pang hindi pamantayan at ambisyosong mga pelikula ang ipinalabas, na ang ilan ay hindi pa rin nawawala ang kanilang kahalagahan ngayon. Ang direktor ng Nausikai na si Hayao Miyazaki at ang kanyang partner na si Isao Takahata ay nakapagtatag ng kanilang sariling studio sa ilalim ng patronage ng dating editor ng Animage na si Toshio Suzuki, na tinawag itong Studio Ghibli. Ang unang pelikula sa hinaharap ng pinakasikat na kumpanya ay Castle in the Sky () ng parehong Miyazaki.
Ang mga paraan kung saan ipinamamahagi ang anime ay umunlad din. Bilang karagdagan sa tradisyonal na pagpapakita ng mga serye sa telebisyon, lumitaw ang isang hiwalay na lugar ng pagbebenta, na tinatawag na OVA (Eng. Orihinal na Video Animation, "direktang ibinebenta ang animation sa video"). Gaya ng ipinahihiwatig ng pangalan, ang mga OVA ay hindi ipinakita sa telebisyon, ngunit direktang ibinenta sa mga videocassette. Ang unang nakilalang naturang paglikha ay itinuturing na "Moon Base Dallos" (-) na nilikha sa ilalim ng direksyon ni Mamoru Oshii. Malamang na naglalarawan ng pariralang "ang unang pancake ay bukol-bukol," ang "Dallos" ay hindi sikat, ngunit ang malapit nang ilabas na "Megazone 23" () ay naging napaka, napakasikat, nangongolekta ng sapat na pera sa mga benta para sa interes ng mga sponsor sa bagong ito. merkado ng produkto. Kasunod nito, nagsimulang aktibong gamitin ang mga produkto ng OVA para sa paunang pagsusuri ng trabaho bago likhain ang buong-haba o bersyon ng telebisyon nito. Maraming kilalang serye sa TV, "Patlabor", halimbawa, ang nagsimula bilang mga OVA, ngunit pagkatapos ay nakatanggap ng mga sequel sa telebisyon o pelikula. Ang pagdating ng mga OVA ay nauugnay din sa paglitaw ng unang holistic pornographic anime, hentai, tulad ng Cream Lemon () - bago iyon, ang kanilang mga may-akda ay napigilan ng censorship ng telebisyon at mga sinehan.
Karamihan sa mga pelikulang ito, gayunpaman, ay hindi maganda sa takilya. Parehong bumagsak sa takilya ang "Akira" at "Wings of Honneamise" sa kanilang unang pagpapalabas sa teatro. Ang krisis ng mga pamumuhunan na lumitaw bilang resulta ng gayong malungkot na mga resulta ay nagdulot ng pagsasara ng maraming anime studio, habang ang iba ay kinailangang iwanan ang mga eksperimento at bumalik sa mga solusyon at plot na sinubok ng panahon. Isa sa iilan na nakayanan ang pagbaba ng pagpopondo ng Studio Ghibli nang walang sakit, na naglalabas ng mga matagumpay na pelikula na may nakakainggit na pare-pareho. Ang kanilang susunod na tape, "Kiki's Delivery Service", Released in, kinuha unang lugar sa takilya sa taong iyon, na nakolekta ng higit sa $ 40 milyon sa panahon ng screening nito sa mga sinehan.
Sa kabila ng pagkabigo ni Akira sa takilya ng Hapon, ito ay isang tagumpay sa labas ng bansa. Ipinakita sa maraming bansa ng Europa at Amerika, ang pelikula ay naging napakapopular, at kahit na sa ilang sukat ay kumakatawan sa Japanese animation ng mga taong iyon sa Kanluran. Sa pagkamatay ni Osamu Tezuka noong , ang krisis sa pananalapi at ang pagtaas ng internasyonal na interes sa anime, ang panahon na tinatawag na "gintong panahon" ay itinuturing na tapos na.
1990s
Matapos ang pagtaas ng katanyagan ng mga nakaraang taon, noong unang bahagi ng 1990s, dumaan ang anime sa krisis sa pagpopondo. Minamaliit ang mga badyet at nabawasan ang mga magagandang proyekto dahil sa kakulangan ng pondo. Napansin din ng mga kritiko ang pagbaba sa kalidad ng mga serye at pelikula ng anime, na nauugnay sa pagbabalik sa mga plot at disenyo na sinubok na sa panahon. Ang mga producer ay hindi nais na ipagsapalaran ang pagsuporta sa mga mamahaling pang-eksperimentong pelikula.
Ang sitwasyon ay nagbago sa paglabas sa ika-taon, marahil ang pinakakontrobersyal na serye sa telebisyon sa kasaysayan ng anime, "Evangelion" ("Neon Genesis Evangelion"). Sa direksyon ni Hideaki Anno mula sa Gainax studio, bilang isang otaku mismo, ginawa niya ang isang medyo banal na halimbawa ng fur genre sa isang bagay na lubhang masalimuot, sikolohikal at nagpapahiwatig ng isang malaking bilang ng mga nakatagong kahulugan. Nais umano ni Anno na gumawa ng anime "mula sa otaku para sa otaku", at kasabay nito ay ipahayag ang kanyang pananaw sa mga problema ng komunidad na ito. Sa isang paraan o iba pa, sa pagtatapos ng serye, sa wakas ay tumigil ang direktor na pigilan ang kanyang sarili sa loob ng balangkas ng kahalagahan ng kung ano ang nangyayari, at bumaling sa anumang magagamit na mga solusyon, kahit na napaka-kakaiba, upang ipahayag ang kanyang mga saloobin sa screen. Kasunod na inilabas ang dalawang pelikulang anime, ang Evangelion: Death and Rebirth at The End of Evangelion (parehong -), ay bumuo lamang ng ganitong istilo ng kwento.
Dahil unang inilagay sa timeslot ng mga bata, ang "Evangelion" ay lubhang hindi sikat, sa kabila ng orihinal na pagkakaugnay nito sa mga medyo cute na mecha na bata. Pagkalipas ng ilang episode, binago ang timeslot, at sa bagong kapasidad nito, hindi inaasahang nakuha ni Evangelion ang atensyon ng publiko. Sa maikling panahon, ang serye ay naging hindi kapani-paniwalang sikat sa Japan, at sa lalong madaling panahon sa mga tagahanga ng anime sa buong mundo. Sinabi nang magulo, gusot, gamit ang maraming art-house trick, ang kuwento ng isang batang tumatakbo mula sa katotohanan ay naging mahusay na tinanggap kaya't makalipas ang sampung taon, ang mga benta ng kasamang mga kalakal - mga pigura ng mga bayani, mga collectible - ay medyo malaki pa rin.
Napakalaki ng impluwensya ng "Evangelion" sa industriya ng anime na nagbunga pa ito ng ilang serye ng tinatawag na "post-Evangelion". Karamihan sa kanila ay kabilang din sa fur genre at may ilang uri ng relihiyoso, pilosopiko o sikolohikal na tono. Ang mga halimbawa ng naturang serye ay RahXephon, Brain Powered at Gasaraki. Ang isa pang stylization ng mga serye sa TV na ginawa ni Evangelion - o hindi bababa sa binigyan ng pangalawang hangin salamat sa seryeng ito - ay "psychedelic", kakaiba o lubhang hindi pangkaraniwang, kontrobersyal na serye. Pagkatapos ng paglabas ng "Experiments Lane" (), ang midnight television ay naging springboard para sa pagpapatakbo ng maraming eksperimentong serye. Kabilang sa mga pinakabago ay ang Boogiepop Phantom (), Texhnolyze () at Paranoia Agent ().
2000s
Sa mga nagdaang taon, ang pag-unlad ng anime ay nakakita ng isa pang panahon ng malakas na paglago. Ang anime ay naging ubiquitous sa labas ng Japan, na nagiging sanhi ng pagbuo ng isang kaugnay na subculture sa maraming bansa. Parehong lumaki ang bilang ng mga distributor ng anime at ang bilang ng mga kumpanyang naglalabas nito. Ang dami ng kanilang mga produkto ay tumataas, at kadalasan ay hindi nakakapinsala sa kalidad nito. Ang pangkalahatang antas ng kalidad ng animation ay tumataas, ang mga teknolohiya ng computer ay aktibong ginagamit upang lumikha ng anime at manga.
Sa kabila ng katotohanan na ang unang mga kumpanya na naglilisensya at namamahagi ng anime sa Estados Unidos ay lumitaw nang matagal bago iyon, ang huling bahagi ng 1990s at unang bahagi ng 2000s ay minarkahan ng pagpapalakas ng mga posisyon ng mga kumpanyang ito at ang pagtaas ng kanilang bilang. Sa merkado ng Amerika, ang sitwasyon sa paglilisensya ng anime ay naging tulad na ang karamihan sa mga produksyon ng anime ay lisensyado at inilabas sa loob ng isang taon ng kanilang paglabas sa Japan. Ang ganitong interes sa anime ay makikita sa pagpopondo nito sa Japan, na may maraming mga distributor, tulad ng Geneon, na nag-isponsor sa paglikha ng mga indibidwal na serye ng anime at mga pelikula. Ang sitwasyon sa paglilisensya ng anime sa Russia ay nagbago din para sa mas mahusay: sa mga nakaraang taon, ilang malalaking kumpanya ng Russia na bumibili ng mga lisensya at namamahagi ng anime ay lumitaw mula sa simula.
Ang tumataas na kasikatan, sa kabilang banda, ay nagdulot ng kababalaghan ng anime na naglalayong eksklusibo sa isang madlang otaku. Matapos ang hindi kapani-paniwalang tagumpay ng Evangelion noong dekada 90, sinubukan ng maraming studio ang kanilang kamay sa paglikha ng mga serye na maaaring maging "classics" para sa mga tagahanga ng Japanese animation. Ang isa pang direksyon ng pag-unlad na aktibong ginamit kamakailan ay fan service. Ang mga frame ng erotikong nilalaman ay naka-embed sa sequence ng video ng naturang anime, o kahit na ang buong serye ay nakatuon sa erotika, habang pinapanatili ang isang partikular na plot. Ang mga halimbawa ng anime na may ganitong uri ng fan service ay Hot Summer () at Hand Maid May (). Minsan ang anime ay batay sa sikat na Japanese erotic na video game sa genre na "dating sim", ngunit ang mga adaptasyong ito ay maaari ding maging seryosong mga gawa, gaya ng Kanon ().
Ang isa pang variant ng fan service ay ang pagbanggit ng kultura ng otaku sa serye, sa ilang mga kaso, isang pagpapakita ng kanilang "kakaiba" at "detachment mula sa ibang bahagi ng mundo." Nagmula noong 1980s na may Otaku no Video ng Gainax studio, ang direksyon ay napunan sa mga nakaraang taon ng ilang karapat-dapat na mga gawa, kung minsan ay naggalugad ng otaku sa medyo seryosong antas. Halimbawa, ang "Genshiken" () ay ganap na nakatuon sa subculture ng mga tagahanga ng mga produktong Japanese entertainment.
Ang isa pang hindi pangkaraniwang pangyayari sa mga nakalipas na taon ay ang Japanese animator na si Makoto Shinkai, na lumikha ng kanyang unang maikling anime na pelikulang She and Her Cat ( , 5 min.) at Voice of a Distant Star ( , 30 min.) nang mag-isa o sa tulong ng kanyang kaibigan . Sa gayon ay nakatanggap ng pampublikong atensyon at pagpopondo, noong 2004 ay naglabas siya ng isang buong haba na isa at kalahating oras na pelikula na "Beyond the Clouds" ("Beyond the Clouds, the Promised Place").
Tingnan din
- Kasaysayan ng animation
- Kasaysayan ng sinehan
Mga Tala
Mga link
- Anime at Manga sa Russia - isang mini-encyclopedia ng anime at manga, na naglalaman ng malaking bilang ng mga artikulo sa kasaysayan ng anime.
- "Introduction to Japanese animation" - isang libro ni B. Ivanov sa kanyang opisyal na website.
| Anime at manga | ||
|---|---|---|
Ang mga unang tampok na pelikula ng Toei Doga ay teknikal na halos kapareho sa mga tampok na pelikula ng Walt Disney - ang bawat isa ay tumagal ng humigit-kumulang isang taon upang mabuo, ang mga ito ay malakihang adaptasyon ng mga kuwentong pambayan (Japanese at Chinese lamang, hindi European) na may malaking bilang ng mga karakter ng hayop. . Ang ilan sa kanila ay nakapasok pa sa box office ng Amerika, ngunit nabigo sila doon, at sa loob ng dalawang dekada ay halos nawala sila sa mga screen ng Estados Unidos.
Gayunpaman, ito ay malinaw mula sa simula na ang kilusan animation ng Hapon sa ibang landas. Ganap na magkakaibang kultural na tradisyon at mga graphic, at mga plot na apektado. Hindi tulad ng American animation, sa anime hindi naramdaman ang tradisyon ng musikal, mas seryoso ang mga pelikula, at mas dramatic ang mga plot.
Pagbangon ng Manga
Unlike anime, na hanggang sa kalagitnaan ng 1950s ay nasa isang tiyak na "kural", mabilis na umunlad sa mga taong ito. Hindi ito nangangailangan ng malaking pamumuhunan sa kapital, at ang naitatag na mga tradisyon ng mga mambabasa ay nagpapahintulot sa manga na huwag mag-alala tungkol sa kumpetisyon sa mga dayuhang produkto. Ang censorship ay nakakarelaks, nagsimulang lumitaw ang mga bagong magasin, aktibong naglalathala ng manga.
Sa mga manga artist na sumikat sa panahong ito, dalawang huli na may-akda ang namumukod-tangi. Una, ito Machiko Hasegawa, na nagsimulang maglathala sa pahayagang Asahi noong 1947 isa sa pinakasikat na komiks sa kasaysayan ng Hapon ay si Lady Sazae (Sazae-san, 1947-1974). Isinalaysay niya ang kuwento ng isang simpleng Japanese na babae, si Sazae, at ang kanyang pamilya, na nakakatawang sinusubukang makaligtas muna sa mahihirap na panahon ng trabaho, at pagkatapos ay mahanap ang kanilang lugar sa buhay sa panahon ng pagtaas ng ekonomiya ng bansa. Ang optimismo ng gawaing ito ay umaakit sa puso ng mga Hapones, at sa ngayon ang manga na ito ay isa sa pinaka-publish na mga libro sa Japan.
Ang pangalawa, mas sikat at makabuluhang may-akda ay ang nabanggit na Shigeru Tezuka, na kumuha ng pseudonym na "Osamu" noong pagkabata. Matapos makapagtapos ng pag-aaral, ang batang Tezuka, na isang mahusay na artista sa oras na iyon, ay nangarap na maging isang animator. Ngunit sa kanyang katutubong Osaka, walang ganoong pagkakataon, at nagpasya siyang pumunta sa mas simpleng paraan - upang maging isang manga artist.
Ang Osaka ay nakakaranas ng boom sa murang black-and-white comics noong panahong iyon. Nai-publish ang mga ito sa mababang kalidad na magaspang na papel, ang mga ito ay hindi kapani-paniwalang mura, halos walang binayaran ang mga publisher sa mga artista, ngunit pinahintulutan sila ng anumang mga eksperimento.
Hindi nawawala ang kanyang pagkakataon, ang dalawampung taong gulang na si Tezuka, sa oras na iyon ay isang mag-aaral ng Faculty of Medicine (na, sa pamamagitan ng paraan, matagumpay siyang nagtapos), naglathala ng manga noong 1947 "Bagong Isla ng Kayamanan" ("Shin Takarajima").
Sa maraming paraan, ito ay isang rebolusyon sa mundo ng Japanese comics. Sa paglikha nito, aktibong ginamit ni Tezuka ang "mga teknolohiya ng pelikula" na hindi pa nagagamit sa manga - na nagpapakita ng aksyon mula sa iba't ibang mga punto ng view, mga close-up, "pag-uunat" ng isang eksena sa ilang mga guhit, ang aktibong paggamit ng mga sound effect at ang binibigyang-diin na larawan ng mga yugto ng paggalaw. sa totoo lang, Ang manga ni Tezuka ay isang animated na layout ng pelikula, habang ganap na mahalaga at kawili-wiling gawain.
Ang tagumpay ay lumampas sa lahat ng inaasahan. Ilang daang libong kopya na ang naibenta. Kaagad na inalok ng trabaho si Tezuka ng ilang kilalang magasing pambata sa Tokyo. Nagsimula siyang maglathala ng manga sa Manga Shounen magazine. Jungle Emperor (Jungle Taitei, 1950-1954), at sa magazine na "Shounen" - manga "Ambassador Atom" ("Atom Taishi"), sa lalong madaling panahon ay pinalitan ng pangalan sa "Mighty Atom" ("Tetsuwan Atom", 1952-1968). Pag-uusapan natin ang tungkol sa kanila nang mas detalyado sa ibaba, kapag pinag-uusapan natin ang kanilang adaptasyon sa pelikula.
Nagbago ang hitsura ni Tezuka sa mundo ng manga. Ang bagong estilo - isang kumbinasyon ng isang kumplikado, seryosong balangkas, animation-style na mga graphics at ang kawalan ng pangangailangan na sundin ang itinatag na mga cliches ay nakakaakit ng maraming mga batang mahuhusay na may-akda na nagmamadali upang bumuo ng larangan na nagbukas sa kanila.
Sa wakas ay nabuo ito bilang isang ganap na independiyenteng uri ng panitikan, na nahahati sa maraming genre at subgenre. Ang pangunahing seksyon, tulad ng nabanggit na, ay dumaan sa linya "manga para sa mga lalaki" / "manga para sa mga batang babae" (shonen manga / shojo manga).
Ang ninuno ng shojo manga ay si Tezuka din, na naglathala ng manga sa magazine ng mga batang babae na "Shojo Club" "Knight with a Ribbon" ("Ribbon no Kishi", 1953-1956, 1958, 1963-1966) tungkol sa pakikipagsapalaran ng isang batang babae na nakabalatkayo bilang isang kabalyero upang maisagawa ang iba't ibang mga gawa. Tulad ng lahat ng mga gawa ni Tezuka sa panahong ito, gumawa ito ng isang splash, sa pagkakataong ito sa isang babaeng madla, at sa lalong madaling panahon maraming mga artista ang nagsimulang lumikha ng "espesyal" na manga para sa mga batang babae.
Tandaan na ang "kasarian" na dibisyon ng manga ay palaging binibigyang-diin ng kasarian ng mga tagalikha. Mga kaso kapag ang may-akda ay lumikha ng isang manga ng isang "banyagang" kasarian (ang pinakasikat na halimbawa ay Rumiko Takahashi, na nagsusulat ng shonen manga), hindi gaanong tumututol bilang nagpapatunay sa panuntunan, dahil sa gayong manga, ang mga tampok ng kaisipan ng kasarian ("kasarian") ng may-akda ay ipinakita din.
Konklusyon
Dumating kami sa isang kapana-panabik na sandali - ang paglitaw ng mundo ng modernong Japanese animation. Mula rito, eksklusibong masasalamin ang kwento ng manga, at ang pangunahing pokus natin ay ang kwento ng anime.
Ito ay dahil sa ang katunayan na ang bulk ng materyal - manga, na inilathala mula sa unang bahagi ng 1960s hanggang sa kasalukuyan, ay nangangailangan ng maraming taon ng pagsusumikap para lamang makabisado at maunawaan. Sa kabilang banda, ang karamihan sa manga na ito ay para lamang sa teoretikal na interes ng mga hindi Hapones na mambabasa, dahil hindi ito magagamit at hindi kailanman makukuha sa pagsasalin para sa nakikinita na hinaharap. Sa pagkakaalam natin, ang ganitong gawain (isang kumpletong salaysay ng kasaysayan ng modernong manga) ay hindi pa nagagawa sa Japan o sa ibang mga bansa.
Ang anime ay isa sa mga uso sa kultura ng mundo. Ang mga ito ay hindi mga ordinaryong cartoon, ngunit isang buong layer ng modernong kultura ng Hapon, hindi tulad ng kanilang mga Western counterparts, na idinisenyo hindi na para sa mga bata, ngunit para sa mga malabata at nasa hustong gulang na madla. Ang mundo ng Japanese animation ay malawak. At upang mas maunawaan ito, dapat pag-aralan ang kasaysayan ng paglitaw ng "mundo" na mahal natin.
Ang anime, bilang isang trend sa kultura ng mundo, ay nagmula noong 1950s, ngunit ang pinagmulan ng Japanese animation ay naganap nang mas maaga, nang ang mga Hapon ay interesado sa mga imported na kagamitan para sa paglikha ng animation. Kaya, makipagsabayan sa Kanluran. Ang pinakalumang kilalang anime ay nagsimula noong 1907, ito ay isang maikling tahimik na cartoon na binubuo ng magkakasunod na mga frame. Siyanga pala, ang anime ay pinaikling, mula sa Ingles. Animasyon - animation.
Ang unang yugto ay talagang ang pagsilang ng mga Japanese animated na pelikula. Ang pinagmulan ng Japanese animation ay nagmula sa simula ng ika-20 siglo. Ang anime ay nilikha ng mga nag-iisang mahilig sa paggaya sa kanilang mga Western counterparts. Ang mga pelikula ay maikli (hanggang anim na minuto) animated strip na walang tunog. Ang mga plot at tauhan ay kinuha mula sa Japanese fairy tale.
Ang ikalawang yugto ay tumutukoy sa panahon sa pagitan ng mga digmaang pandaigdig. Sinimulan ng Anime na lupigin ang malaking masa ng populasyon at maakit ang atensyon ng estado. Sa balangkas, ang alamat ng Hapon ay nagbigay daan sa istilong European na mga nakakatawang plot. Ang mga unang batas ay pinagtibay na naglilimita sa edad ng panonood, lumabas ang anime na may limitasyong 15+. Ngunit ang anime na naglalayong turuan ang pagiging makabayan ay mahigpit na sinusuportahan ng estado. Napakalaking halaga ng pera ang ginugol sa gayong mga gawain. Paalalahanan ko kayo na ang Japan noong panahong iyon ay isang militarisadong estado at ang propaganda sa populasyon ay isang mahalagang salik. Sinalakay ng Japan ang China at ipinakilala ang censorship noong 1937. Kaya, sinimulan ng estado na ayusin ang pagpapalabas ng anime. Sa bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, nagsimula silang mag-shoot ng anime na kinomisyon ng militar at nilikha para sa studio na ito, nagsimulang magbago ang estilo ng anime. Ang anime ay hindi nilalayong maging katulad ng mga Western cartoons habang nagsimulang labanan ng Japan ang mga bansang Kanluranin. Ang mga balangkas ay hindi rin napapansin, nagsimula silang bumaril tungkol sa matapang na militar ng Hapon, tungkol sa hindi magagapi na hukbo ng Emperador. Isa sa mga ito ay ang unang ganap na full-length na animated na pelikula na tinatawag na "The Holy Sea Warriors of Momotaro", na ipinalabas noong Abril 1945. Ang balangkas ay nagsasabi tungkol sa mga kabayanihan na operasyon ng militar ng Hapon upang palayain ang Indonesia at Malaysia mula sa Estados Unidos. Matapos ang pagtatapos ng digmaan, ang bansa ay nasira, ang censorship at paglahok ng estado ay tinanggal, ngunit ang mga makabuluhang gawa ay hindi lumabas. Isang dekada ng pagwawalang-kilos ang naganap.
Ang ikatlong yugto ay pagkatapos ng digmaan, nagsimulang bumawi ang bansa, nagbuhos ng malaking kapital ang Estados Unidos sa ekonomiya ng bansa. Naganap na ang “political miracle” ng Japan. Noong 1956, nagsimula ang pag-iral ng Toei Animation studio, na sa kalaunan ay maglalabas ng unang full-length color anime film, Hakujaden. Ang paglikha ng studio na ito ay nangangahulugan ng simula ng isang bagong panahon sa kasaysayan ng pag-unlad ng Japanese animation - isang panahon ng propesyonal na pagkamalikhain. Ang mga unang pelikula ng Toel ay ginaya ang Disney. Ang kumpanya ay umiiral hanggang ngayon at ito ang pinakalumang Japanese animation studio. Ang vector ng eksperimento at kalayaan ng studio sa plot ng mga gawa ay nagbigay ng magandang impetus sa iba pang mga studio at sa mas lumang henerasyon, na kalaunan ay naging mga sikat na animator gaya nina Hayao Miyazaki at Mamoru Oshii. Ang anime ay naging gawa ng isang may-akda at nagtaas ng mga talamak na isyu sa lipunan at pulitika. Noong 1960, si Tezuka, isang proponent ng adult animation, ay lumikha ng ilang pelikula para sa audience na ito: A Thousand and One Nights, Cleopatra, at Lamentable Belladonna.
Noong 1970s, nagsimulang siksikan ng telebisyon ang mga sinehan, at nagsimulang lumikha ng mga serye ng anime. Nabangkarote ang ilang malalaking studio, ngunit nagkaroon ito ng positibong epekto, dahil nagbukas ito ng daan para sa mga bagong animator. Ang mga animator ay nagsimulang mag-eksperimento nang higit at higit pa sa mga genre, gaya ng ipinakita ng 1974 na serye sa telebisyon ni Isao Takahata na Heidi. Dahil isang makatotohanang drama na naglalayon sa mga bata, una itong tinanggihan dahil natatakot ang mga producer na hindi ito mabayaran. Tila sa kanila na ang mga bata ay mas interesado sa science fiction at mga kuwento na may mas kaunting semantic load, ngunit ang serye ay "shot". Ito ay naging napakapopular sa Japan at sa Europa, kaya ang mga manonood sa mundo ay nagsimulang maging gumon sa anime. Ang nagresultang tagumpay at pananalapi ay nagbigay-daan kina Miyazaki at Takahata na simulan ang anime na World Masterpiece Theatre. Ang lahat ng uri ng mga genre ay nagsimulang lumitaw, ang anime ay nakakuha ng napakalawak na katanyagan.
Ang 1980s ay ang "Golden Age" para sa industriya ng anime. Ang Manga at anime ay nakilala sa buong Japan.
Ang ikaapat na yugto ay ang katapusan ng ika-20 siglo at ang simula ng ika-21. Ang Anime ay nakatanggap ng pagkilala sa buong mundo, sinimulan nilang pagsamahin ang mga graphics ng computer, iyon ay, 3D at animation - 2D. Noong 1997, inilabas ang "Princess Mononoke", isang full-length na anime film na nakolekta ng malalaking box office receipts.
Ang pagbubuod mula sa itaas, masasabing may kumpiyansa na mula sa mga cartoons ng mga bata at mga pelikulang propaganda, ang animation ng Hapon ay nabago sa kultura ng mundo at ang pamana ng sangkatauhan. Ngayon, ang anime ay isang natatanging kultural na kababalaghan na pinagsasama-sama ang isang malaking bilang ng mga tao mula sa buong mundo. Ang anime ay dumaan sa isang mahirap na landas ng pag-unlad, umaasa ako na ito ay patuloy na bubuo sa tamang direksyon at hindi "mamamatay" para sa kapakanan ng mga rating at pananaw, ngunit gagawa ng orihinal at kawili-wiling mga gawa. Ang artikulo ay inihanda para sa iyo ni Nikita Kutuzov.
Ang tumataas na kasikatan, sa kabilang banda, ay nagbunga ng kababalaghan ng anime na naglalayong lamang sa madlang otaku. Matapos ang hindi kapani-paniwalang tagumpay ng Evangelion noong dekada 90, sinubukan ng maraming studio ang kanilang kamay sa paglikha ng mga serye na maaaring maging "classics" para sa mga tagahanga ng Japanese animation. Ang isa pang direksyon ng pag-unlad na aktibong ginamit kamakailan ay fan service. Ang mga frame ng erotikong nilalaman ay naka-embed sa sequence ng video ng naturang anime, o kahit na ang buong serye ay nakatuon sa erotika, habang pinapanatili ang isang partikular na plot. Ang mga halimbawa ng anime na may ganitong uri ng fan service ay ang "Hot Summer" (2003) at "Hand Maid May" (2003). Minsan ang anime ay batay sa sikat na Japanese erotic na video game sa genre na "", gayunpaman, ang mga naturang adaptasyon ay maaari ding maging seryosong mga gawa, tulad ng "" (2002).
Ang isa pang variant ng fan service ay ang pagbanggit ng kultura ng otaku sa serye, sa ilang mga kaso, isang pagpapakita ng kanilang "kakaiba" at "detachment mula sa ibang bahagi ng mundo." Nagmula noong 1980s sa Gainax's Otaku no Video, ang trend ay pinalawak sa mga nakaraang taon ng ilang karapat-dapat na mga gawa, kung minsan ay nag-explore ng otaku sa medyo seryosong antas. Halimbawa, ang "Genshiken" (2004) ay ganap na nakatuon sa subculture ng mga tagahanga ng mga produktong Japanese entertainment.
Ang isa pang hindi pangkaraniwang pangyayari sa mga nakaraang taon ay ang Japanese animator na si Makoto Shinkai, na lumikha ng kanyang unang anime short films na She and Her Cat (1999, 5 min.) at "" (2002, 30 min.) nang mag-isa o sa tulong ng kanyang kaibigan . Sa gayon ay nakatanggap ng pampublikong atensyon at pagpopondo, noong 2004 ay naglabas siya ng isang buong haba na isa at kalahating oras na pelikula na "" ("Beyond the Clouds, the Promised Place").
Kung nabasa mo ang aming kamakailang, malamang na alam mo na ito ay nagmula sa malayo 1907 ika-taon - noon ay nilikha ang unang cartoon sa Japan.Mula noon, taon-taon, parami nang parami ang mga gawang lumitaw, mga bagong genre at bagong uri ng fan service ang lumitaw. At bilang isang resulta, pagkatapos 108 taon, nakuha namin kung ano ang mayroon kami.
Ngunit anong anime ng huling siglo ang nararapat na ituring na pinaka-maimpluwensyang? Anong mga gawa ang naging tagapagtatag ng mga genre, trendsetter, pioneer ng clichés at pioneer ng clichés? Anong mga animated na pelikula at serye ang may pinakamalaking epekto sa mga creator at manonood sa panahon ng pagbuo ng Japanese cinema? Malalaman mo ang mga sagot sa mga tanong na ito sa aming tuktok ngayon. Ngunit, bago tayo magsimula, pag-usapan natin, gaya ng dati, ang mga pormalidad.
Una: imposibleng matukoy kung aling anime ang pinakamahalaga sa mas malaking lawak kaysa sa iba pang ipinakita dito. Samakatuwid, ang mga nangungunang posisyon ay ibinahagi hindi sa pamamagitan ng rating, ngunit sa pamamagitan ng ayon sa taon ng publikasyon.
Pangalawa: dahil ang tuktok na ito ay tinatawag na " 12 pinakamahalagang anime sa kasaysayan”, pagkatapos ay ipinakita dito ang mga nilikha, medyo sinaunang, na lumabas sa pagitan mula sa 1907 Sa pamamagitan ng 1999 ng taon.
Ngayon ay handa na kaming simulan ang aming nangungunang 12 makasaysayang anime.
Kitayama Seitaro - isa sa mga tagalikha ng unang propesyonal na Japanese animation
Ang maikling pelikulang ito, na tumatagal lamang ng 5 minuto, ay itinuturing na pinakaunang propesyonal na Japanese animation. Ang mga tagalikha nito, mga pioneer ng Japanese cinema art - artist Kitayama Seitaro at mangaka Oten Shimokawa. Sa ngayon, nawala ang tape, kaya walang makakapagsabi ng sigurado kung tungkol saan ang unang propesyonal na anime sa mundo.
Ano ang kontribusyon ng maikling pelikulang ito sa pagbuo ng Japanese animation? Buweno, pagkatapos nito, maraming naghahangad na mga may-akda ang naniniwala sa kanilang sarili at nais na "gumawa ng isang bagay na tulad nito." Kaya, maaari nating sabihin na ang gawaing ito ay ang panimulang punto para sa pagbuo ng anime.
Maraming maibibigay ang anime na ito. Ito ang unang color animated na pelikula sa Japan. Ito ang unang Japanese animated film na ipinakita sa US. Ito ang unang anime na nanalo ng mga dayuhang parangal sa Venice Children's Film Festival sa Italy noong 1959. Ngunit ang pangunahing bagay ay hindi kahit na. Ang pinakamalaking merito ng pelikula ay nagkaroon ito ng malaking epekto sa graduating student Hayao Miyazaki. Oo, oo, sa napakakilalang Japanese director na iyon na ang mga gawa ay pinagkasundo ang mga tagahanga ng Japanese animation sa mga haters nito. Huwag lumabas sa tamang oras The Legend of the White Snake for rent - at hindi rin natin makikita ngayon " Spirited Away', hindi rin' Totoro', hindi rin' gumagalaw na kastilyo", o iba pang mga likha ng studio ghibli.
Ang merito ng gawaing ito sa iba pang anime ay hindi matataya. Sa katunayan, ito ay pagkatapos ng Astroboy na ang Serye sa TV.
Bagaman ang Astro Boy ay hindi ang unang serye ng anime sa kasaysayan (ang karangalang ito ay ibinigay sa " Kalendaryo ng Larawan ng Otogi Studio"), ito ang naging unang komersyal na matagumpay na gawain ng mga Japanese creator. Nakapasok ang anime na ito sa nangungunang 100 animated na listahan ng serye. IGN bilang unang sikat na serye ng anime sa telebisyon. Kung titingnan ang tagumpay nito, nagpasya ang ibang mga animator na ang paglikha ng mga serye ay isang mas kapaki-pakinabang na negosyo kaysa sa mga tampok na pelikula. At hindi sila nagkamali.
Ang kahalagahan ng anime na ito ay pahahalagahan ng mga nanood sa pagkabata Sailor Moon at nag-enjoy sa palabas.
Sa katotohanan ay Ang bruhang Sally- ang una sa kasaysayan ng genre ng anime maho-shoujo. Ito ay, kasama ang susunod na serye " Sikreto ni Akko-chan"("Himitsu no Akko-chan", 1969-1970) ay naglatag ng pundasyon para sa mga tampok na katangian ng genre:
- Dapat panatilihing lihim ng pangunahing tauhang babae ang kanyang mahiwagang kakayahan. Kung ibunyag niya ang sikreto, siya ay mapaparusahan.
- Kapag gumamit ng magic ang pangunahing tauhang babae, kailangan niya ang kanyang magic phrase at isang enchanted item, gaya ng wand. (Ang mahiwagang parirala ni Sally: " Mahariku Maharita Yanparayan” ay ginamit nang higit sa isang beses sa maraming parody at comedy anime).
- Isang mahiwagang lingkod ang kasama ng pangunahing tauhang babae sa ordinaryong mundo. Kadalasan, ito ay isang ordinaryong hayop (halimbawa, isang pusa).
- Dalawang karakter - isang pambabae, at ang isa ay mukhang isang batang babae - kumilos bilang malapit na kaibigan ng pangunahing karakter.
Ang anime na ito ay hindi gaanong mahalaga para sa kasaysayan ng animation ng Hapon (bagaman ito ang unang seryosong gawain, sa paglikha kung saan siya ay nakibahagi Hayao Miyazaki), magkano para sa mga tagahanga ng anime ng Russian (o sa halip, Soviet), dahil ito ang unang anime na ipinakita sa USSR. Kaagad pagkatapos ng paglabas ng Ghost Ship, ang mga unang tagahanga ng Japanese animation ay nagsimulang lumitaw sa Unyong Sobyet.
Kung ang salitang " hentai"- hindi isang walang laman na tunog para sa iyo, kung gayon maaari mong pahalagahan ang kontribusyon ng anime na ito sa pagbuo ng Japanese animation. Sa katotohanan ay Tales of 1001 Nights- ang kauna-unahang erotikong anime. Siyempre, bago ang gawaing ito, may iba pang mga pagtatangka na ilarawan ang pakikipagtalik sa anyo ng animation. Ang paglikha ay dapat na ang unang hentai Hakusana Kimura « Nakakapreskong barko", na kinunan sa 1932 taon. Gayunpaman, sa oras na iyon, ang gobyerno ng Japan (at karamihan sa mga manonood, masyadong) ay hindi pa handa para sa paglitaw ng mga erotikong cartoon. Kaya naman hindi na natapos ang Refreshing Ship, dahil sa pagsalakay ng mga pulis sa mga gumawa nito at kinumpiska ang hentai.
At kaya, 37
pagkalipas ng mga taon, ipinakita sa publiko ang unang animated na erotika, at buong pasasalamat na tinanggap ito ng publiko. Ang madla ay hindi napahiya sa alinman sa imoralidad o prangka ng unang hentai, bagaman ito ay naglalarawan hindi lamang ng pakikipagtalik sa pagitan ng isang lalaki at isang babae, kundi pati na rin sa pagitan ng isang babae at isang babae, at isang lalaki at isang buwaya. 
Hindi namin maiwasang banggitin ang anime na ito, hindi lang dahil ito ang pinakamatagal na animated na serye sa mundo (kasalukuyan itong mas kaunti 7 thousand episodes), na nagpapatuloy pa rin, ngunit dahil ito rin ang unang gawaing ginawa ni babae. orihinal na may-akda ng manga Machiko Hasegawa, pinatunayan sa lahat na ang anime at manga ay hindi lamang para sa mga lalaki.
Kung alam mo kung ano mga transformer“... although, what am I talking about... you know what “Transformers” is. Ngunit alam mo ba ang kasaysayan sa likod ng paglikha ng kahindik-hindik na prangkisa na ito? Ang mga transformer ay may utang sa kanilang hitsura sa genre balahibo, na dahil sa kasikatan nito sa serye ng anime Mazinger Z, inilabas sa 1972 taon.
Muli, hindi ito ang unang gawain sa uri nito, ngunit ito ang nakakuha ng atensyon ng mga tagahanga at naglatag ng mga pundasyon ng genre. Ang Mazinger Z ay itinuturing na ngayon ang ginintuang klasiko ng higanteng humanoid anime, at maraming mga old-school na tagahanga ang nostalhik para dito hanggang ngayon.
Sa tingin ko ay hindi na kailangang sabihin dito. Kung ikaw ay nanonood ng anime nang higit sa isang taon, alam mo ang tungkol sa seryeng ito at suriin ang kontribusyon nito sa kasaysayan nang makatotohanan.
Manga Akira Toriyama at ang anime na nakabatay dito ay talagang malaki ang nagawa para sa pagbuo ng Japanese animation at komiks. Sa partikular, makabuluhang naimpluwensyahan nila ang genre " shonen».
Noong 80s at 90s ng huling siglo, naging pangkaraniwan ang anime sa labas ng Japan. Gayunpaman, ang madla sa Kanluran ay nag-iingat pa rin sa mga produkto ng Land of the Rising Sun. Ngunit nagbago ang lahat sa paglabas ng 1988 ika-taon ng full-length na anime " Akira". Ito ay ang paglikha ng isang hindi kilalang direktor sa oras na iyon. Otomo Katsuhimo, gumawa ng splash sa Western viewers. Pinahahalagahan ng mga tagahanga ang masalimuot at nakakabighaning storyline, pati na rin ang advanced na sining at mga espesyal na epekto na binuo ng computer. Kaya, si Akira ang naging unang anime na sikat sa Kanluran kaysa sa Japan.
Maaaring nakilala mo ang mga pangalan ng ilan sa mga gawa mula sa aming nangungunang ngayon sa unang pagkakataon, ngunit tungkol sa War Beauty Sailor Moon malamang narinig mo na. Ang sikat na seryeng ito hanggang ngayon ay may mahalagang papel hindi lamang sa pagbuo ng anime, kundi pati na rin sa animation sa pangkalahatan.
Ito ay ang kanyang nakamamanghang tagumpay na may utang sa hitsura nito sa mga sikat na non-Japanese franchise gaya ng Enchantress At Winx. Pagkatapos ng lahat, ang anime na ito ang nagbukas ng unibersal na pormula para sa tagumpay sa mga tinedyer. Ito ay sapat lamang na kumuha ng isang maliit na grupo ng mga mag-aaral na babae, bigyan sila ng ilang uri ng cosmic superpower, bigyan ang pangunahing karakter ng isang guwapong lalaki at voila - ang iyong babaeng madla. Idagdag dito ang isang bahagyang sexy na eksena ng kanilang muling pagkakatawang-tao, nagsisiwalat na mga damit at talagang magagandang eksena sa pakikipaglaban - at maakit mo ang atensyon ng mga lalaki sa trabaho.
Ang formula na ito ay sikat pa rin ngayon, tulad ng anime na nakatuklas nito.
Sa pagsasalita tungkol sa mga merito ng anime na ito sa animation, madalas hindi mo alam kung saan magsisimula. Ito ang unang serye kung saan malalim na naantig ng mga Hapones ang mga tema ng relihiyon ng ibang mga bansa. Ito ang unang serye na napunit sa lahat ng mga template ng genre at lumikha ng mga bago. Ito ang unang serye kung saan pinapayuhan ang mga tao na maghanda sa pag-iisip at magtipon ng kanilang lakas ng loob (magbasa ng bibliya, halimbawa). Ito ang unang serye, ang pagtatapos nito ay hindi naintindihan ng sinuman (posible na ang may-akda din mismo).
Ang lahat ng ito at higit pa ay binabawasan ang mga merito ng anime sa katotohanan na pagkatapos nito ang fashion ay nagsimulang ilibing ang posibleng kahulugan ng trabaho nang mas malalim. Napagtanto ng mga may-akda na sa ilang mga lugar posible na isakripisyo ang lohika at kasapatan ng kung ano ang nangyayari, ang pangunahing bagay ay huwag kalimutan ang tungkol sa simbolismo. Sa ganitong paraan, maaari kang lumikha ng isang matagumpay at kumikitang anime na tatanggap ng katayuan ng "kontrobersyal" at tatalakayin ng mga tagahanga pagkalipas ng maraming dekada. At kung talagang iiral ang kahulugan ng naturang anime ay isang pilosopikal na tanong.
Well, iyon na ang katapusan ng aming Top 12 na pinakamahalagang anime sa kasaysayan. Marahil siya sa una ay bahagyang hindi patas, dahil ang anumang paglikha (kahit na ito ay matagumpay o nabigo) sa paanuman ay nakaimpluwensya sa pagbuo ng Japanese animation at ginawa ang anime sa paraang nakikita natin ngayon. Gayunpaman, ang 12 likhang ito ay tiyak na mga pagbabago sa kasaysayan ng anime.