Les années ont été une période d’acceptation généralisée de l’anime en dehors du Japon. "Akira" et sorti en 1995 "Ghost in the Shell", qui combinait pour la première fois animation traditionnelle et infographie, a acquis une renommée dans le monde entier. En 1997, Princess Mononoke, un long métrage d'animation, a rapporté 160 millions de dollars au Japon.
Le nombre de fans d’anime et de téléspectateurs qui le regardent de temps en temps a augmenté plusieurs fois. Dans le même temps, les technologies de création et de rendu d'anime ont continué de s'améliorer au Japon : les studios sont passés à l'infographie, utilisant activement l'animation tridimensionnelle. Depuis les dessins animés pour enfants du début du XXe siècle, l'animation japonaise a évolué vers une culture qui crée des œuvres diverses, sérieuses et drôles, émotionnelles et naïves, destinées aux adolescents, aux enfants et aux adultes.
origines
Les œuvres du premier quart du XXe siècle ont été principalement créées par des passionnés qui s'inspiraient des créations de leurs confrères étrangers. Les films étaient de courtes bandes d'animation sans son, d'une à cinq minutes. Parfois, les intrigues et les personnages de ces dessins animés étaient empruntés à la culture occidentale, mais il s'agissait le plus souvent d'adaptations de vieux contes de fées japonais. À la fin de cette période, la durée des dessins individuels pourrait atteindre 15 minutes.
Pour diverses raisons, la plupart des œuvres de ces années sont aujourd’hui perdues. On sait cependant que certains d’entre eux ont été montrés au public et ont même collecté de l’argent dans les cinémas. L'ère du cinéma muet a vu des animateurs tels que Oten Shimokawa, Junichi Kochi, Seyotaro Kitayama, Sanae Yamamoto (dont La Montagne où ils jetaient des vieillards est peut-être le plus ancien anime nommé connu), Yasuji Murata et le maître de l'animation d'ombres Noboru Ofuji. La plupart d'entre eux travaillaient à domicile, même s'ils étaient soutenus par les propriétaires de cinémas, leur achetant les droits de projection de leurs créations.
La deuxième génération d’animateurs japonais apparaît dans la période d’avant-guerre. À cette époque, le folklore japonais dans les anime avait cédé la place à de nouvelles intrigues de style occidental, souvent humoristiques. L'animation a gagné l'attention du grand public et l'intérêt de l'État. Au cours de ces années, les premières lois ont été adoptées qui limitaient l'audience des œuvres - certains dessins animés étaient reconnus comme pouvant être présentés uniquement aux personnes de plus de 15 ans. En revanche, les films contenant des éléments éducatifs ont été fortement soutenus et approuvés par le ministère japonais de l'Éducation. Des centaines de milliers de yens ont été dépensés pour financer de telles œuvres.
L'anime reflète également la situation politique et sociale générale au Japon. L'une des premières hirondelles de l'avancée du militarisme a été le dessin animé de 11 minutes de Mituyo Seo "Private Second Class Norakuro", sorti la e année, une adaptation cinématographique d'une courte bande dessinée de journal sur un chien malchanceux qui est entré dans l'armée de animaux en tant que privé. Après l’invasion japonaise de la Chine dans les années 1900, les premières lois de censure furent adoptées, simplifiant considérablement le contrôle des produits manufacturés. Un grand nombre d’animes de propagande commandés par l’armée sont apparus. Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, le style de l’anime a également commencé à changer. L’anime n’était pas censé ressembler aux dessins animés occidentaux. La même année, le gouvernement japonais décide de financer la création du premier long métrage d'animation japonais et engage le même Mituyo Seo pour constituer une équipe d'animateurs à cet effet. Le film de 74 minutes Momotaro Holy Sea Warriors qu'ils ont dessiné était un film juvénile sur une équipe de bêtes fortes et intrépides (symbolisant probablement des soldats japonais) libérant l'Indonésie et la Malaisie des extraterrestres diaboliques à cornes, signifiant peut-être les forces alliées, sorti en avril de l'année.
Toei Animation et Mushi Production
Après la fin de la guerre, l’économie japonaise était en déclin. Malgré le fait que la censure et la participation de l'État à la création de l'animation aient été pratiquement réduites à zéro, aucune œuvre notable n'est apparue pendant près de dix ans. Un obstacle important au développement de l'animation était également le fait qu'avec l'augmentation de la durée et de la complexité des œuvres, il devenait impossible de travailler dessus seul ou avec un petit nombre d'assistants. Les studios « locaux » ne pouvaient plus répondre aux besoins du public et les grandes entreprises n'ont pas vu le jour en raison du risque de l'entreprise et de la situation économique difficile du pays.
La situation a changé avec l'avènement de Toei Animation en 1956, qui a rapidement sorti son premier long métrage d'animation en couleur "Hakujaden" ("Hakujaden", ). L'émergence de la Toei a marqué le début d'une nouvelle période dans le développement de l'anime - une période de créativité professionnelle. Les premiers longs métrages du studio suivaient de près les canons des œuvres de Disney, en utilisant des inserts musicaux et chantés, ainsi qu'en utilisant les animaux sur un pied d'égalité avec les humains. Cette stylisation persiste en partie dans les œuvres de Toei Animation jusque dans les années 1970. La société existe encore aujourd’hui, restant le plus ancien studio d’animation japonais connu.
La politique de la Toei, depuis sa création, a permis aux animateurs d'expérimenter assez librement leurs œuvres. Un bon exemple en est le film Hols : Prince of the Sun d'Isao Takahata (), un film expérimental, en quelque sorte même provocateur. "Hols" est souvent considéré comme l'ancêtre de l'anime d'auteur ou expérimental, auquel de nombreux réalisateurs célèbres, même Hayao Miyazaki et Mamoru Oshii, ont ensuite été attribués à différentes périodes de développement. A l'époque de sa parution, le film était aussi atypique car il était l'un des premiers à s'éloigner des canons Disney vers ses propres innovations. Malgré quelques montages et environ 30 minutes de cinématiques, Hols : Prince of the Sun est sorti par Toei et s'est plutôt bien comporté au box-office.
Une contribution significative des premiers Toei à l'anime moderne était l'utilisation de « scènes clés ». Une méthode largement utilisée aujourd’hui pour réduire les coûts d’animation consiste à restituer des images individuelles visuellement significatives avec beaucoup plus de détails que le flux vidéo global. Yasuo Otsuka, animateur à la Toei, a été le premier à utiliser cette technique, la créant tout en expérimentant pour rendre l'animation plus facile à utiliser.
années 1970
Au cours de la décennie suivante, la télévision a lentement mais sûrement supplanté les cinémas en tant que divertissement le plus populaire. Toei Animation abandonne progressivement la production de comédies musicales de style Disney et se tourne vers la production de séries télévisées. Les animateurs qui travaillaient pour Mushi Production se sont rendus dans des studios nouvellement créés comme Madhouse ou Sunrise après la faillite soudaine de Mushi. Cette redistribution des talents a généralement eu un effet positif sur l'industrie de l'anime, car elle a permis à de jeunes animateurs d'occuper des postes clés dans les studios et d'expérimenter ensuite assez librement les films produits.
Un exemple en est la série télévisée de l'année "Heidi" d'Isao Takahata. Étant un drame assez réaliste conçu pour les enfants, la série a été initialement rejetée par de nombreuses chaînes de télévision - les producteurs pensaient que les enfants seraient intéressés par quelque chose de plus fantastique, avec des éléments de conte de fées. "Heidi", cependant, s'est avérée incroyablement populaire non seulement au Japon, mais aussi au-delà de ses frontières - dans de nombreux pays européens. Le succès inattendu de la série a donné à Miyazaki et Takahata l'opportunité de travailler à la création de l'anime littéraire World Masterpiece Theatre. La série a fonctionné avec succès jusqu'au milieu des années 1990, même si Takahata et Miyazaki ont quitté le projet quelques années plus tard.
Dans les mêmes années, un autre genre propre à l’anime, le mecha, fait son apparition. Les premiers travaux qui lui sont attribués incluent "Mazinger Z" (-), "Science Ninja Team Gatchaman" (-), "Space Battleship Yamato" (-) et "Mobile Suit Gundam" (-). La montée de la science-fiction dans l'anime a conduit à un déplacement de l'orientation des séries des aventures de super-héros vers des opéras spatiaux plus réalistes et élaborés, où les concepts du bien et du mal n'étaient plus aussi simples et pittoresques. Les personnages ont été développés plus profondément, ce qui a permis d'envisager les mêmes problèmes sous des points de vue différents.
L'âge d'or de l'anime
L’intérêt croissant pour les sagas spatiales est devenu encore plus visible avec la sortie du premier film Star Wars à la fin des années 1970. Le succès et la popularité de cette cassette ont incité les producteurs japonais à financer un long métrage basé sur la série précédente Space Battleship Yamato. A son apparition sur les écrans, on associe souvent le début d'une période de super-popularisation, ce qu'on appelle « l'âge d'or de l'anime » - même si en fait, au lieu d'un siècle, il n'a duré que moins de quinze ans.
Au moment où le Space Battleship Yamato est apparu sur les écrans, un autre événement incroyablement important pour le développement ultérieur de l'animation japonaise avait déjà lieu : la naissance de la sous-culture otaku. Peu nombreux au début, les fans des rares séries spatiales de l'époque et de science-fiction se sont regroupés, se retrouvant à travers des loisirs communs et à travers les premiers magazines d'animation comme Animage ou le plus récent Newtype. L’émergence même de tels magazines était une réponse à la popularité croissante de l’anime auprès de tous les segments de la population.
Les premiers fans d’anime sont également apparus dans d’autres pays. Certains dessins animés populaires ont été importés aux États-Unis et diffusés à la télévision. Une pratique courante à cette époque était de retravailler la série avant le spectacle : par exemple, « Gatchaman » après le premier traitement s'est transformé en « Battle of the Planets » (), tandis que le second en a fait « G-Force » (). L'emblématique « Space Battleship Yamato » est sorti en Amérique sous le nom de « Star Blazers ». La victime la plus célèbre du couteau du réalisateur est la série "Robotech" ("Robotek"), créée à partir de trois anime différents - "The Super Dimension Fortress Macross", "Super Dimension Cavalry Southern Cross" et "Genesis Climber Mospeada". ces versions corrigées et augmentées de séries japonaises, et la première génération d'otaku américains grandit.
Un événement important a également été l'apparition dans l'adaptation cinématographique du manga Urusei Yatsura de Rumiko Takahashi, réalisé par Mamoru Oshii. Commençant par un simple doujinshi, Takahashi est devenu célèbre et incroyablement populaire parmi les fans d'anime grâce à Urusei Yatsura. Ses œuvres ultérieures, notamment Ranma 1/2, ne font qu'en faire l'une des figures incontournables du monde du manga et de l'animation japonaise. Quant à Oshii, il s'est éloigné depuis quelque temps de la création de longues séries populaires et a préféré créer dans un style personnel, sans prêter attention aux opinions des fans. Cela lui a permis de créer dans le futur des œuvres expérimentales assez originales.
Au fil du temps, la sous-culture otaku a commencé à avoir une influence notable sur la création d’anime. Certains des premiers otaku sont devenus eux-mêmes réalisateurs et animateurs, ce qui ne pouvait qu'affecter les produits qu'ils fabriquaient. L’exemple le plus frappant d’une telle influence est Daicon Films, qui deviendra plus tard le célèbre studio Gainax. Les fondateurs de Gainax ont commencé leur carrière créative en réalisant des courts métrages d'animation pour le concours Daicon Scifi. L'extrême popularité de ces courts métrages a donné au studio nouvellement créé l'opportunité de lever des fonds pour la création du film d'animation le plus cher de ces années, Wings of Honneamise ().
Au cours des mêmes années, l'un des films d'animation classiques les plus célèbres a été tourné - Nausicaa de la Vallée des Vents (). Dans le sillage de son succès et de la popularité croissante de l'anime, de nombreux autres films hors normes et ambitieux sont également sortis, dont certains ne perdent toujours pas leur importance aujourd'hui. Le réalisateur de Nausikai, Hayao Miyazaki, et son partenaire Isao Takahata ont pu créer leur propre studio sous le patronage de l'ancien éditeur d'Animage Toshio Suzuki, l'appelant Studio Ghibli. Le premier film du futur de la société la plus célèbre était Castle in the Sky () du même Miyazaki.
Les modes de distribution des anime ont également évolué. En plus de l'affichage traditionnel des séries à la télévision, un espace de vente distinct est apparu, appelé OVA (Eng. Animation vidéo originale, "animation directement en vente en vidéo"). Comme leur nom l'indique, les OVA n'étaient pas diffusés à la télévision, mais étaient vendus directement sur vidéocassettes. La première création connue de ce type est considérée comme "Moon Base Dallos" (-) créée sous la direction de Mamoru Oshii. Pour illustrer probablement l'expression "la première crêpe est grumeleuse", "Dallos" était impopulaire, mais le prochain "Megazone 23" () est devenu très, très célèbre, récoltant suffisamment d'argent en ventes pour intéresser les sponsors à ce nouveau marché de produits. Par la suite, les produits OVA ont commencé à être activement utilisés pour l'évaluation préliminaire de l'œuvre avant de créer sa version complète ou télévisée. De nombreuses séries télévisées bien connues, par exemple "Patlabor", ont débuté sous forme d'OVA, mais ont ensuite reçu des suites à la télévision ou au cinéma. L'avènement des OVA est également associé à l'émergence des premiers anime pornographiques holistiques, hentai, comme Cream Lemon () - avant cela, leurs auteurs étaient contraints par la censure de la télévision et des cinémas.
La plupart de ces films n’ont cependant pas eu de bons résultats au box-office. "Akira" et "Wings of Honneamise" ont tous deux échoué au box-office lors de leur première sortie en salles. La crise des investissements résultant de résultats aussi lamentables a provoqué la fermeture de nombreux studios d'animation, tandis que d'autres ont dû abandonner leurs expériences et revenir à des solutions et des intrigues éprouvées. L'un des rares à avoir subi sans douleur une baisse du financement du Studio Ghibli, avec une régularité enviable en sortant des films à succès. Leur cassette suivante, "Kiki" s Delivery Service", sortie en, a pris la première place au box-office cette année-là, récoltant plus de 40 millions de dollars lors de sa projection en salles.
Malgré l'échec d'Akira au box-office japonais, ce fut un succès à l'extérieur du pays. Présenté dans de nombreux pays d'Europe et d'Amérique, le film est devenu très populaire et a même représenté dans une certaine mesure l'animation japonaise de ces années-là en Occident. Avec la mort d'Osamu Tezuka en , la crise financière et l'intérêt international croissant pour l'anime, la période appelée « âge d'or » est considérée comme révolue.
années 1990
Après la montée en popularité des années précédentes, au début des années 1990, l’anime traversait une crise de financement. Les budgets ont été sous-estimés et des projets prometteurs ont été interrompus faute de fonds. Les critiques ont également noté le déclin de la qualité des séries et des films d'animation, associé à un retour aux intrigues et aux conceptions éprouvées. Les producteurs ne voulaient pas prendre le risque de soutenir des films expérimentaux coûteux.
La situation a changé avec la sortie, la année suivante, de la série télévisée peut-être la plus controversée de l'histoire de l'anime, "Evangelion" ("Neon Genesis Evangelion"). Réalisé par Hideaki Anno du studio Gainax, étant lui-même un otaku, il a transformé un exemple plutôt banal du genre de la fourrure en quelque chose d'extrêmement complexe, psychologique et impliquant un grand nombre de significations cachées. On dit qu'Anno voulait faire des anime "d'otaku pour otaku", et en même temps exprimer son point de vue sur les problèmes de cette communauté. D'une manière ou d'une autre, à la fin de la série, le réalisateur cesse enfin de se retenir dans le cadre du sens de ce qui se passe, et se tourne vers toutes les solutions disponibles, même les plus farfelues, pour exprimer sa pensée à l'écran. Par la suite, deux films d'animation, Evangelion: Death and Rebirth et The End of Evangelion (tous deux -), n'ont fait que développer ce style de narration.
Placé pour la première fois dans la tranche horaire réservée aux enfants, "Evangelion" était extrêmement impopulaire, malgré son affiliation originale avec des enfants méchas plutôt mignons. Quelques épisodes plus tard, la plage horaire a été modifiée et, dans sa nouvelle capacité, Evangelion a attiré de manière inattendue l'attention du public. En peu de temps, la série est devenue incroyablement célèbre au Japon, et bientôt parmi les fans d'anime du monde entier. Racontée de manière chaotique, froissée, utilisant de nombreuses astuces d'art et d'essai, l'histoire d'un garçon fuyant la réalité s'est avérée si bien acceptée que dix ans plus tard, les ventes des produits d'accompagnement - figurines de héros, objets de collection - sont encore assez importantes.
L'influence d'"Evangelion" sur l'industrie de l'anime a été si grande qu'elle a même donné naissance à un certain nombre de séries dites "post-Evangelion". La plupart d’entre eux appartiennent également au genre de la fourrure et ont des connotations religieuses, philosophiques ou psychologiques. Des exemples de telles séries sont RahXephon, Brain Powered et Gasaraki. Un autre pastiche d'émissions télévisées engendré par Evangelion - ou du moins qui a reçu un second souffle grâce à cette série - est celui des séries "psychédéliques", étranges ou très inhabituelles, controversées. Après la sortie de "Experiments Lane" (), la télévision de minuit est devenue un tremplin pour diffuser de nombreuses séries expérimentales. Parmi les derniers en date figurent Boogiepop Phantom (), Texhnolyze () et Paranoia Agent ().
années 2000
Ces dernières années, le développement de l’anime a connu une nouvelle période de forte croissance. L'anime est devenu omniprésent en dehors du Japon, provoquant le développement d'une sous-culture connexe dans de nombreux pays. Le nombre de distributeurs d’anime et le nombre de sociétés qui le diffusent ont augmenté. Le volume de leurs produits augmente, et souvent pas au détriment de leur qualité. Le niveau général de qualité de l'animation augmente, les technologies informatiques sont activement utilisées pour créer des anime et des mangas.
Bien que les premières sociétés de licence et de distribution d'anime aux États-Unis soient apparues bien avant cela, la fin des années 1990 et le début des années 2000 ont été marquées par le renforcement de la position de ces sociétés et par l'augmentation de leur nombre. Sur le marché américain, la situation en matière de licences d'anime est devenue telle que la plupart des productions d'anime sont autorisées et diffusées dans l'année suivant leur sortie au Japon. Cet intérêt pour l'anime se reflète dans son financement au Japon, avec de nombreux distributeurs, tels que Geneon, parrainant la création de séries et de films d'animation individuels. La situation des licences d'anime en Russie s'est également améliorée : ces dernières années, plusieurs grandes entreprises russes qui achètent des licences et distribuent des anime sont pratiquement sorties de zéro.
La popularité croissante, en revanche, a donné naissance au phénomène des anime destinés exclusivement à un public otaku. Après l'incroyable succès d'Evangelion dans les années 90, de nombreux studios se sont essayés à la création de séries qui pourraient devenir des « classiques » pour les fans de l'animation japonaise. Une autre direction de développement qui a été activement utilisée récemment est le service aux fans. Des images de contenu érotique sont intégrées dans la séquence vidéo d'un tel anime, voire la série entière est consacrée à l'érotisme, tout en conservant une certaine intrigue. Des exemples d'anime avec un service de fans prononcé de ce type sont Hot Summer () et Hand Maid May (). Parfois, l'anime est basé sur des jeux vidéo érotiques japonais populaires du genre "dating sim", mais de telles adaptations peuvent aussi être des œuvres assez sérieuses, comme Kanon ().
Une autre variante du fan service est la mention de la culture otaku dans la série, dans certains cas, une démonstration de leur « originalité » et de leur « détachement du reste du monde ». Née dans les années 1980 avec Otaku no Video du studio Gainax, la direction s'est enrichie ces dernières années de plusieurs œuvres dignes d'intérêt, explorant parfois l'otaku à un niveau assez sérieux. Par exemple, « Genshiken » () est entièrement dédié à la sous-culture des fans de produits de divertissement japonais.
Un autre phénomène inhabituel de ces dernières années est celui de l'animateur japonais Makoto Shinkai, qui a créé ses premiers courts métrages d'animation She and Her Cat ( , 5 min.) et Voice of a Distant Star ( , 30 min.) seul ou avec l'aide de son ami. Ayant ainsi reçu l'attention du public et un financement, il sort en 2004 un long métrage d'une heure et demie « Au-delà des nuages » (« Au-delà des nuages, le lieu promis »).
voir également
- Histoire de l'animation
- Histoire du cinéma
Remarques
Liens
- Anime et Manga en Russie - une mini-encyclopédie d'anime et de manga, contenant un grand nombre d'articles sur l'histoire de l'anime.
- "Introduction à l'animation japonaise" - un livre de B. Ivanov sur son site officiel.
| Animes et mangas | ||
|---|---|---|
Les premiers longs métrages de Toei Doga étaient techniquement très similaires aux longs métrages de Walt Disney - chacun prenait environ un an à produire, il s'agissait d'adaptations à grande échelle de contes de fées populaires (uniquement japonais et chinois, pas européens) avec un grand nombre de personnages animaux. . Certains d'entre eux sont même entrés dans le box-office américain, mais ils y ont échoué et pendant deux décennies, ils ont pratiquement disparu des écrans américains.
Cependant, il était clair dès le début que le mouvement animation japonaise sur un chemin différent. Des traditions culturelles, des graphismes et des intrigues complètement différents. Contrairement à l'animation américaine, animé la tradition de la comédie musicale ne se faisait pas sentir, les films étaient beaucoup plus sérieux et les intrigues étaient plus dramatiques.
L'essor du manga
Contrairement à animé, qui jusqu'au milieu des années 1950 se trouvait dans un certain « corral », s'est développé assez rapidement au cours de ces années. Cela ne nécessitait pas d'investissements en capital importants et les traditions de lectorat déjà établies permettaient au manga de ne pas s'inquiéter de la concurrence des produits étrangers. La censure s'est assouplie, de nouveaux magazines ont commencé à apparaître, publiant activement des mangas.
Parmi les mangakas qui se sont fait connaître au cours de cette période, deux auteurs tardifs se démarquent particulièrement. D'abord, ceci Machiko Hasegawa, qui a commencé à paraître dans le journal Asahi en 1947 L'une des bandes dessinées les plus populaires de l'histoire du Japon est Lady Sazae (Sazae-san, 1947-1974). Il raconte l'histoire d'une simple jeune Japonaise, Sazae, et de sa famille, qui tentent avec humour d'abord de survivre aux temps difficiles de l'occupation, puis de trouver leur place dans la vie pendant la montée de l'économie du pays. L'optimisme de cette œuvre a séduit le cœur des Japonais et ce manga est jusqu'à présent l'un des livres les plus publiés au Japon.
Le deuxième auteur, le plus célèbre et le plus significatif, est celui déjà mentionné Shigeru Tezuka, qui a pris le pseudonyme « Osamu » dans son enfance. Après avoir obtenu son diplôme d'école, le jeune Tezuka, déjà un bon artiste à l'époque, rêvait de devenir animateur. Mais dans son Osaka natal, une telle opportunité n’existait pas et il a décidé d’emprunter la voie la plus simple : devenir mangaka.
Osaka connaissait à l’époque un boom des bandes dessinées bon marché en noir et blanc. Ils étaient publiés sur du papier brouillon de mauvaise qualité, ils étaient incroyablement bon marché, les éditeurs ne payaient presque rien aux artistes, mais ils leur permettaient toutes les expériences.
Ne manquant pas sa chance, Tezuka, vingt ans, alors étudiant à la Faculté de médecine (dont il d'ailleurs a ensuite obtenu son diplôme avec succès), a publié un manga en 1947. "Nouvelle île au trésor" ("Shin Takarajima").
À bien des égards, ce fut une révolution dans le monde de la bande dessinée japonaise. Lors de sa création, Tezuka a activement utilisé des « technologies cinématographiques » qui n'avaient pas été utilisées auparavant dans le manga - montrant l'action sous différents points de vue, des gros plans, « étirant » une scène en plusieurs dessins, l'utilisation active d'effets sonores et l'image accentuée des phases du mouvement. En fait, Le manga de Tezuka était une adaptation de film d'animation, tout en étant une œuvre totalement intégrale et intéressante.
Le succès a dépassé toutes les attentes. Plusieurs centaines de milliers d'exemplaires ont été vendus. Tezuka s'est immédiatement vu proposer un emploi par plusieurs magazines pour enfants bien connus de Tokyo. Il a commencé à publier des mangas dans le magazine Manga Shounen. Empereur de la jungle (Jungle Taitei, 1950-1954), et dans le magazine "Shounen" - manga "Ambassadeur Atome" ("Atom Taishi"), bientôt renommé en "Mighty Atom" ("Tetsuwan Atom", 1952-1968). Nous en parlerons plus en détail ci-dessous, lorsque nous parlerons de leur adaptation cinématographique.
L’apparition de Tezuka dans le monde du manga a révolutionné. Le nouveau style - une combinaison d'une intrigue complexe et sérieuse, de graphismes de style animation et de l'absence de nécessité de suivre les clichés établis a attiré de nombreux jeunes auteurs talentueux qui se sont précipités pour développer le domaine qui s'ouvrait à eux.
Elle a finalement pris forme comme un type de littérature complètement indépendant, divisé en de nombreux genres et sous-genres. La section principale, comme déjà mentionné, passait le long de la ligne "manga pour garçons" / "manga pour filles" (manga shonen / manga shojo).
L'ancêtre du manga shojo était également Tezuka, qui a publié un manga dans le magazine pour filles "Shojo Club". "Chevalier au ruban" ("Ribbon no Kishi", 1953-1956, 1958, 1963-1966) sur les aventures d'une jeune fille déguisée en chevalier afin d'accomplir divers exploits. Comme toutes les œuvres de Tezuka de cette période, elle fit sensation, cette fois auprès d'un public féminin, et bientôt de nombreux artistes commencèrent à créer des mangas « spéciaux » pour les filles.
A noter que la division « genre » du manga a toujours été soulignée par le genre des créateurs. Cas où l'auteur crée un manga de genre « étranger » (l'exemple le plus célèbre est Rumiko Takahashi, qui écrit des mangas shonen), ne réfute pas tant que confirme la règle, puisque dans un tel manga, les caractéristiques de la mentalité de genre (« sexe ») de l'auteur se manifestent également.
Conclusion
Nous sommes arrivés à un moment passionnant : l’émergence du monde de l’animation japonaise moderne. À partir de là, l’histoire du manga sera exclusivement reflétée et notre objectif principal sera l’histoire de l’anime.
Cela est dû au fait que la majeure partie du matériau - mangas, publié du début des années 1960 à nos jours, nécessite de nombreuses années de travail acharné rien que pour le maîtriser et le comprendre. En revanche, la grande majorité de ce manga n'a qu'un intérêt théorique pour les lecteurs non japonais, puisqu'il n'est pas disponible et ne le sera jamais en traduction dans un avenir prévisible. À notre connaissance, une telle œuvre (un récit complet de l’histoire du manga moderne) n’a encore été créée ni au Japon ni dans d’autres pays.
L'anime est l'une des tendances de la culture mondiale. Ce ne sont pas des dessins animés ordinaires, mais tout un pan de la culture japonaise moderne, contrairement à leurs homologues occidentaux, conçus non plus pour les enfants, mais pour un public adolescent et adulte. Le monde de l'animation japonaise est vaste. Et pour mieux le comprendre, il faudrait étudier l'histoire de l'apparition du « monde » que l'on aime.
L'anime, en tant que tendance de la culture mondiale, est né dans les années 1950, mais l'origine de l'animation japonaise a eu lieu plus tôt, lorsque les Japonais s'intéressaient aux équipements importés pour créer de l'animation. Ainsi, suivez le rythme de l’Occident. Le plus ancien anime connu remonte à 1907, il s’agissait d’un court dessin animé muet composé d’images séquentielles. À propos, anime est un abrégé de l'anglais. Animation-animation.
La première période est en réalité la naissance du cinéma d’animation japonais. L'origine de l'animation japonaise remonte au début du XXe siècle. L'anime a été créé par des passionnés solitaires qui imitaient leurs homologues occidentaux. Les films étaient de courtes bandes animées (jusqu'à six minutes) sans son. Les intrigues et les personnages sont tirés de contes de fées japonais.
La deuxième période fait référence à l’entre-deux-guerres. L'anime a commencé à conquérir de grandes masses de population et à attirer l'attention de l'État. Dans l'intrigue, le folklore japonais a cédé la place à des intrigues humoristiques à l'européenne. Les premières lois ont été adoptées qui limitaient l'âge de visionnage, les anime sont apparus avec une limite de 15 ans et plus. Mais les dessins animés visant à éduquer au patriotisme ont été fortement soutenus par l’État. D’énormes sommes d’argent ont été dépensées pour de tels travaux. Permettez-moi de vous rappeler qu'à cette époque, le Japon était un État militarisé et que la propagande auprès de la population était un facteur important. Le Japon envahit la Chine et la censure fut introduite en 1937. Ainsi, l’État a commencé à réglementer la sortie des dessins animés. À la veille de la Seconde Guerre mondiale, ils ont commencé à tourner des anime commandés par l'armée et créés pour ce studio, le style de l'anime a commencé à changer. L’anime n’était pas censé ressembler aux dessins animés occidentaux alors que le Japon commençait à combattre les pays occidentaux. Les complots ne sont pas non plus passés inaperçus, ils ont commencé à tirer sur la courageuse armée japonaise, sur l'armée invincible de l'empereur. L'un d'eux était le premier long métrage d'animation à part entière intitulé "Les guerriers de la mer sacrée de Momotaro", sorti en avril 1945. L'intrigue raconte les opérations héroïques de l'armée japonaise pour libérer l'Indonésie et la Malaisie des États-Unis. Après la fin de la guerre, le pays était en ruine, la censure et la participation de l'État ont été supprimées, mais aucun travail important n'a été réalisé. S’ensuit une décennie de stagnation.
La troisième période est celle de l'après-guerre, le pays a commencé à se redresser, les États-Unis ont injecté d'énormes capitaux dans l'économie du pays. Le « miracle politique » du Japon a eu lieu. En 1956, le studio Toei Animation commence son existence, qui sortira plus tard le premier long métrage d'animation en couleur, Hakujaden. La création de ce studio a marqué le début d'une nouvelle période dans l'histoire du développement de l'animation japonaise - une période de créativité professionnelle. Les premiers films de Toel imitaient Disney. La société existe encore aujourd’hui et est le plus ancien studio d’animation japonais. Le vecteur d'expérimentation et de liberté du studio dans l'intrigue des œuvres a donné une bonne impulsion au reste des studios et à l'ancienne génération, qui deviendront plus tard des animateurs aussi célèbres que Hayao Miyazaki et Mamoru Oshii. L'anime est devenu une œuvre d'auteur et a soulevé des problèmes sociaux et politiques aigus. En 1960, Tezuka, partisan de l'animation pour adultes, crée plusieurs films pour ce public : Les Mille et une nuits, Cléopâtre et Lamentable Belladonna.
Dans les années 1970, la télévision a commencé à évincer les cinémas et des séries animées ont commencé à être créées. Plusieurs grands studios ont fait faillite, mais cela a eu un effet positif, car cela a ouvert la voie à de nouveaux animateurs. Les animateurs ont commencé à expérimenter de plus en plus les genres, comme en témoigne la série télévisée Heidi d'Isao Takahata en 1974. S'agissant d'un drame réaliste destiné aux enfants, il a d'abord été rejeté car les producteurs craignaient qu'il ne soit pas rentable. Il leur semblait que les enfants étaient plus intéressés par la science-fiction et les histoires avec moins de charge sémantique, mais la série « tirait ». Il est devenu très populaire au Japon et en Europe, c'est pourquoi le public mondial a commencé à devenir accro à l'anime. Le succès et les finances qui en ont résulté ont permis à Miyazaki et Takahata de lancer l'anime World Masterpiece Theatre. Toutes sortes de genres ont commencé à apparaître, l'anime a acquis une immense renommée.
Les années 1980 sont « l’âge d’or » de l’industrie de l’anime. Les mangas et les animes sont devenus reconnus dans tout le Japon.
La quatrième étape correspond à la fin du 20e siècle et au début du 21e. L'anime a reçu une reconnaissance mondiale, ils ont commencé à combiner l'infographie, c'est-à-dire la 3D et l'animation - 2D. En 1997 est sorti "Princess Mononoke", un long métrage d'animation qui a récolté d'énormes recettes au box-office.
En résumé de ce qui précède, on peut affirmer avec certitude que des dessins animés pour enfants et des films de propagande, l'animation japonaise s'est transformée en culture mondiale et en patrimoine de l'humanité. Aujourd’hui, l’anime est un phénomène culturel unique qui rassemble un grand nombre de personnes du monde entier. L'anime a traversé un chemin de développement difficile, j'espère qu'il continuera à se développer dans la bonne direction et ne « mourra » pas pour le bien des audiences et des vues, mais produira des œuvres originales et intéressantes. L'article a été préparé pour vous par Nikita Kutuzov.
La popularité croissante, en revanche, a donné naissance au phénomène des anime destinés uniquement au public otaku. Après l'incroyable succès d'Evangelion dans les années 90, de nombreux studios se sont essayés à la création de séries qui pourraient devenir des « classiques » pour les fans de l'animation japonaise. Une autre direction de développement qui a été activement utilisée récemment est le service aux fans. Des images de contenu érotique sont intégrées dans la séquence vidéo d'un tel anime, voire la série entière est consacrée à l'érotisme, tout en conservant une certaine intrigue. Des exemples d'anime avec un service de fans prononcé de ce type sont "Hot Summer" (2003) et "Hand Maid May" (2003). Parfois, l'anime est basé sur des jeux vidéo érotiques japonais populaires du genre "", cependant, de telles adaptations peuvent également être des œuvres assez sérieuses, comme "" (2002).
Une autre variante du fan service est la mention de la culture otaku dans la série, dans certains cas, une démonstration de leur « originalité » et de leur « détachement du reste du monde ». Née dans les années 1980 avec Otaku no Video de Gainax, la tendance s'est élargie ces dernières années avec plusieurs œuvres intéressantes, explorant parfois l'otaku à un niveau assez sérieux. Par exemple, « Genshiken » (2004) est entièrement dédié à la sous-culture des fans de produits de divertissement japonais.
Un autre phénomène inhabituel ces dernières années a été celui de l'animateur japonais Makoto Shinkai, qui a créé ses premiers courts métrages d'animation She and Her Cat (1999, 5 min.) et "" (2002, 30 min.) seul ou avec l'aide de son ami. . Ayant ainsi reçu l'attention du public et un financement, il sort en 2004 un long métrage d'une heure et demie "" ("Au-delà des nuages, le lieu promis").
Si vous avez lu notre récent article, vous savez probablement déjà qu'il est originaire d'une région lointaine. 1907 ème année - c'est alors que le premier dessin animé au Japon a été créé.Depuis lors, année après année, de plus en plus d'œuvres sont apparues, de nouveaux genres et de nouvelles variétés de fan service sont apparus. Et en conséquence, après 108 ans, nous avons eu ce que nous avons.
Mais quel anime du siècle dernier peut à juste titre être considéré comme le plus influent ? Quelles œuvres sont devenues les fondatrices de genres, les lanceuses de tendances, les pionnières des clichés et les pionnières des clichés ? Quels films et séries d’animation ont eu le plus grand impact sur les créateurs et les spectateurs au cours du développement du cinéma japonais ? Vous trouverez les réponses à ces questions dans notre top du jour. Mais avant de commencer, parlons, comme toujours, des formalités.
D'abord: il est impossible de déterminer quel anime est le plus marquant que les autres présentés ici. Par conséquent, les premières positions ne sont pas réparties par note, mais par par année de parution.
Deuxième: puisque ce top s’appelle « 12 anime les plus importants de l'histoire», puis sont présentées ici des créations, assez anciennes, sorties dans l'intervalle de 1907 Par 1999 de l'année.
Nous sommes maintenant prêts à commencer notre top 12 des anime historiques.
Kitayama Seitaro - l'un des créateurs de la première animation japonaise professionnelle
Ce court métrage, d'une durée de seulement 5 minutes, est considéré comme la toute première animation japonaise professionnelle. Ses créateurs, pionniers de l'art cinématographique japonais - artiste Kitayama Seitaro et mangaka Oten Shimokawa. À ce jour, la bande a été perdue, donc personne ne peut dire avec certitude de quoi parlait le premier anime professionnel au monde.
Quelle contribution ce court-métrage a-t-il apporté au développement de l’animation japonaise ? Eh bien, après cela, de nombreux auteurs en herbe ont cru en eux-mêmes et ont voulu « faire quelque chose comme ça ». On peut donc dire que ce travail est le point de départ du développement de l'anime.
Cet anime a beaucoup à offrir. Il s'agit du premier film d'animation en couleur au Japon. Il s'agit du premier film d'animation japonais projeté aux États-Unis. C'est le premier anime à remporter des prix étrangers au Festival du film pour enfants de Venise en Italie en 1959. Mais l’essentiel n’est même pas ça. Le plus grand mérite du film est qu'il a eu un impact énorme sur l'étudiant diplômé. Hayao Miyazaki. Oui, oui, à ce très éminent réalisateur japonais dont les œuvres réconcilient les fans de l'animation japonaise et ses détracteurs. Ne sortez pas au bon moment La Légende du Serpent Blanc à louer - et on ne le verra pas aujourd'hui non plus " Enlevée comme par enchantement', ni ' Totoro', ni ' château en mouvement", ni d'autres créations du studio ghibli.
Le mérite de ce travail par rapport aux autres anime ne peut être surestimé. En fait, c'est après Astroboy que le Séries TV.
Bien qu'Astro Boy n'ait pas été la première série animée de l'histoire (cet honneur a été décerné à " Calendrier photo du studio Otogi"), elle devient la première œuvre à succès commercial de créateurs japonais. Cet anime a figuré dans la liste des 100 meilleures séries animées. IGN comme la première série animée télévisée populaire. Au vu de son succès, d’autres animateurs ont décidé que la création de séries est un métier bien plus gratifiant que celui des longs métrages. Et ils n'avaient pas tort.
L'importance de cet anime sera appréciée par ceux qui l'ont regardé dans son enfance Marin Lune et j'ai apprécié le spectacle.
Le fait est que Sorcière Sally- le premier dans l'histoire du genre anime maho-shoujo. C'est ça, avec la série ultérieure " Le secret d'Akko-chan" ("Himitsu no Akko-chan", 1969-1970) a jeté les bases des traits caractéristiques du genre :
- L'héroïne doit garder secrètes ses capacités magiques. Si elle révèle le secret, elle sera punie.
- Lorsque l'héroïne utilise la magie, elle a besoin de sa phrase magique et d'un objet enchanté, comme une baguette. (La phrase magique de Sally : " Mahariku Maharita Yanparayan" a été utilisé plus d'une fois dans de nombreux anime parodiques et comiques).
- Un serviteur magique accompagne l'héroïne dans le monde ordinaire. Très souvent, il s'agit d'un animal ordinaire (par exemple, un chat).
- Deux personnages - l'un féminin et l'autre ressemblant à une fille - agissent comme des amis proches du personnage principal.
Cet anime n'est pas tellement significatif pour l'histoire japonaise de l'animation (bien qu'il s'agisse de la première œuvre sérieuse à la création de laquelle il a participé Hayao Miyazaki), combien pour les fans d'anime russes (ou plutôt soviétiques), car c'est le premier anime présenté dans URSS. Immédiatement après la sortie du Ghost Ship, les premiers fans de l'animation japonaise ont commencé à apparaître en Union soviétique.
Si le mot " hentaï"- ce n'est pas un son vide pour vous, alors vous pourrez apprécier la contribution de cet anime au développement de l'animation japonaise. Le fait est que Contes des 1001 nuits- le tout premier anime érotique. Bien sûr, avant ce travail, il y a eu d'autres tentatives pour représenter les rapports sexuels sous forme d'animation. La création était censée être le premier hentai Hakusana Kimura « Navire rafraîchissant", qui a été filmé en 1932 année. Cependant, à cette époque, le gouvernement japonais (et la plupart des téléspectateurs également) n’était pas encore prêt à l’émergence de dessins animés érotiques. C'est pourquoi le Refreshing Ship n'a jamais été achevé, car la police a perquisitionné ses créateurs et confisqué le hentai.
Et ainsi, 37
des années plus tard, la première œuvre érotique animée a été présentée au public, et le public l’a accepté avec gratitude. Le public n'a été gêné ni par l'immoralité ni par la franchise du premier hentai, même s'il représentait non seulement des rapports sexuels entre un homme et une femme, mais aussi entre une femme et une femme, et un homme et un crocodile. 
Nous ne pouvions nous empêcher de mentionner cet anime, non seulement parce que c'est la série animée la plus ancienne au monde (elle compte actuellement un peu moins 7 mille épisodes), qui est toujours en cours, mais aussi parce qu'il s'agit de la première œuvre créée par femme. auteur de manga original Machiko Hasegawa, a prouvé à tous que les anime et les mangas ne sont pas réservés aux hommes.
Si tu sais ce que c'est transformateurs"... mais de quoi je parle... vous savez ce qu'est "Transformers". Mais connaissez-vous l’histoire derrière la création de cette franchise sensationnelle ? Les Transformers doivent leur apparition au genre fourrure, qui doit à son tour sa popularité à la série animée Mazinger Z, sorti en 1972 année.
Encore une fois, ce n'était pas la première œuvre du genre, mais c'est elle qui a attiré l'attention des fans et jeté les bases du genre. Mazinger Z est désormais considéré comme le classique en or de l’anime humanoïde géant, et de nombreux fans de la vieille école en sont encore nostalgiques.
Je ne pense pas qu'il y ait grand-chose à dire ici. Si vous regardez des dessins animés depuis plus d'un an, vous connaissez cette série et évaluez sa contribution à l'histoire de manière assez réaliste.
Mangas Akira Toriyama et l'anime basé sur celui-ci a vraiment beaucoup contribué au développement de l'animation et de la bande dessinée japonaise. Ils ont notamment influencé de manière significative le genre" shonen».
Dans les années 80 et 90 du siècle dernier, les dessins animés sont devenus assez courants en dehors du Japon. Cependant, le public occidental se méfiait encore des produits du Pays du Soleil Levant. Mais tout a changé avec la sortie de 1988 ème année d'anime complet " Akira". C'est la création d'un réalisateur peu connu à l'époque. Otomo Katsuhimo, a fait sensation auprès des téléspectateurs occidentaux. Les fans ont apprécié le scénario complexe et captivant, ainsi que les graphismes avancés et les effets spéciaux générés par ordinateur. Ainsi, Akira est devenu le premier anime populaire en Occident plus qu'au Japon.
Vous avez peut-être rencontré pour la première fois les noms de certaines des œuvres de notre top d'aujourd'hui, mais à propos Guerre Beauté Sailor Moon vous avez probablement entendu. Cette série populaire à ce jour a joué un rôle important non seulement dans le développement de l'anime, mais aussi de l'animation en général.
C'est son triomphe éclatant qui doit son apparition à des franchises non japonaises aussi célèbres que Enchanteresse Et Winx. Après tout, c'est cet anime qui a ouvert la formule universelle du succès chez les adolescents. Il suffit de prendre un petit groupe d'écolières, de leur donner une sorte de super pouvoir cosmique, de donner au personnage principal un beau mec et le tour est joué - votre public féminin. Ajoutez à cela une scène légèrement sexy de leur réincarnation, révélant des tenues et de très bonnes scènes de combat - et vous attirerez l'attention des gars sur le travail.
Cette formule est toujours populaire aujourd’hui, tout comme l’anime qui l’a découverte.
En parlant des mérites de cet anime par rapport à l’animation, on ne sait souvent pas par où commencer. Il s'agit de la première série dans laquelle les Japonais abordent en profondeur les thèmes religieux d'autres pays. Il s’agit de la première série qui a mis en pièces tous les modèles du genre et en a créé de nouveaux. C'est la première série pour laquelle il est conseillé de se préparer mentalement et de rassembler son courage (lire la Bible par exemple). Il s'agit de la première série dont personne n'a compris la fin (il est possible que l'auteur lui-même aussi).
Tout cela et bien plus encore réduit les mérites de l'anime au fait qu'après cela, la mode a commencé à enterrer plus profondément le sens possible de l'œuvre. Les auteurs ont réalisé qu'à certains endroits, il est possible de sacrifier la logique et l'adéquation de ce qui se passe, l'essentiel est de ne pas oublier le symbolisme. De cette façon, vous pouvez créer un anime réussi et rentable qui recevra le statut de « controversé » et sera discuté par les fans plusieurs décennies plus tard. Et si le sens d’un tel anime existera réellement est une question philosophique.
Et bien c'est la fin de notre Top 12 des animes les plus importants de l'histoire. Peut-être qu'il était au début légèrement injuste, car toute création (peu importe si elle a réussi ou échoué) a influencé d'une manière ou d'une autre le développement de l'animation japonaise et a fait de l'anime tel que nous le voyons aujourd'hui. Cependant, ces 12 créations marquent définitivement un tournant dans l’histoire de l’anime.